墨尘美术

① 宋朝绘画的主要艺术特征

1、绘画题材和表现体裁的多样化。宋代绘画题材扩大，绘画分科变细，计有佛道、人物、山水、屋木、走兽、花卉、翎毛、墨竹、龙水等门类。绘画形式中工笔绘画有突出成就，青绿重彩仍然流行，水墨着色在山水画中占有重要地位，写意画开始出现。宋代绘画体裁有巨幅壁画、高屏大帏、长卷立轴、小幅绘画、册页形式、白描粉本小样等多种样式。

2、文人参与绘事，文人绘画渐成潮流。科举制提高了整个官僚的文化水平，以科举进身的文人力图强调自己的文化英雄地位，将绘画视为文化修养和风雅生活的重要部分。

宋代不少文人士大夫将绘画看成文化修养和风雅生活的重要部分，他们在绘画中以墨竹、墨梅、山水树石及花卉等为题材，追求主观情趣的表现，反对过分拘泥于形似的描绘，艺术上主张宁和平淡，追求天真清新的风格。米氏父子、苏轼等人为典型代表。

3、在宋代，宫廷绘画承载着宣传教化、笼络重臣、粉饰太平的主要功能。宫廷画家在艺术上必须附和帝王的审美趣味，因此，宫廷绘画的主要表现风格为：造型准确，格法严谨，精微细腻；赋色浓艳，华贵富丽；既有精密不苟之长，某些作品又有萎靡柔媚的倾向，形成“院体”画的独特风格。宋徽宗赵佶为典型代表。

4、出现了职业画家。画工解除了对贵族的人身依附，成为独立的手工业者。宋代城市经济繁荣，文化生活活跃，绘画的需求增加，绘画的服务对象有所扩大，为绘画的发展提供了物质条件和群众基础。一些画师们的创作进入城市商业市场，不少技艺卓绝的画家活跃在社会上，对促进宋代绘画起重要作用。

这时期的职业画家的创作具有明显的商品画性质。绘画作为固定行业与社会建立更广泛的联系，突破了宗教题材与贵族题材的羁绊。扩大了视野，使世俗美术有了很大发展。宋代风俗画的发展可以为证。

(1)墨尘美术扩展阅读：

宋代绘画是中国绘画艺术发展的高峰。它所反映的广泛的现实生活内容，在古代绘画史上是极为突出的。运用多采的优美的艺术形式，创造了很多的艺术表现手法，和社会有着密切的联系，元明清绘画中的风格样式及理论大多可在宋代绘画中找到根据，表现了中国绘画的成熟与高度繁荣。

宋代绘画艺术在技巧上有许多重要创造。着重挖掘人物的精神状貌及动人的情节，注重塑造性格鲜明的艺术形象。花鸟画、山水画追求优美动人的意境情趣，注意真实而巧妙的艺术表现，并努力进行形象提炼，有着高度的写实能力。

文人士大夫绘画对于绘画艺术的繁荣提高也有促进作用，他们在主观的表达和笔墨效果的探索上尤有贡献。宫廷绘画在整个社会绘画的繁荣基础上得到高度发展，其艺术成就也不容忽视。

宋代绘画进入手工业商业行列，与更多的群众建立较为密切的联系。在五代南唐、西蜀建立画院的基础上，宋代继续设立翰林图画院，以培养宫廷需要的绘画人才。民间绘画、宫廷绘画、士大夫绘画各自形成体系，彼此间又互相影响、吸收、渗透，构成宋代绘画丰富多采的面貌。

② 关于插画和绘画的区别

插画 是绘画的一种！

插图是运用图案表现的形象，本着审美与实用相统一的原则，尽量使线条，形态清晰明快，制作方便。插图是世界都能通用的语言，其设计在商业应用上通常分为人物，动物，商品形象。

2现代插画的分类
2.1 绘画性插画
彩色摄影给人的可信度是其它艺术形式不可比拟的，但绘画的手法却有更自由的空间，它在创造理想、夸张及超写实的设计形象与意境方面有自由构思、想象力的充分发挥，和强调特点等表现上的优势．这些是彩色摄影难以超越的。
绘画性插画可以根据不同的设计意图有不同的切人点：形象、颜色、质感、肌理⋯8943 .可以不表现写实的空间．只是比例相对的写实。可以借助象征、装饰、构成、漫画、拟人、卡通等形式综合表现。从某种意义上讲，绘画艺术成了基础学科．插画艺术成了应用学科。绘画性插画运用绘画作为表现创意的手段．只要绘画中分多少类，插画中也可以分多少类。如运用版画(木刻、石版、铜版画)、国画(水墨画、白描)、油画、水彩、水粉、铅笔淡彩、钢笔素描等形式表现的插画形式多样．各具特色。绘画性插画对技法的多样性进行探求，同时表现出更深刻的主题．具有独特的艺术魅力，从而更具表现力。

2.1.1 在我国古代书籍就重视插画
最早出现的是手绘线描或木刻版画单色印刷的形式。晋朝陶潜诗云：“流观山海图，是古书无不绘图。”清人徐康《前尘梦影录》记载“古人以图书并称，凡有书必有图。”宋元时代的书籍插画，随着雕版印刷的发达而非常流行。如《宣和博古图》、《烈女传》、以及《营造法式》等书。此时宋刻本的插画有了套色印刷。明代插画的制作更是达到了极盛时期，小说戏曲等文艺作品，科技书籍大都配上了插画，如《西厢记》、《水浒记》、《西游记)、等书。书籍插画发展至今，大多分为文艺性书籍插画和科技读物插画。文艺性书籍插画选择书中有意义的人物和场景用形象描绘出来，可以增加读者阅读书籍的兴趣，使可读性和可视性二者结合起来相得益彰，并且还能通过艺术的形象增强文艺作品的感染力，使读者得到“美的享受”，对书中的主人公留下更深刻更形象化的印象。

③ 独特绘画技法有哪些

一、拼贴挖补法

1、把一幅画切割、分解，然后换位或原位（如将一个圆变换角度或反过来贴上）重新组合。

2、或把别的画面某一部分拼在此画面上国画视频，构成新的关系，如用金箔直接贴在画面等。

3、穿插拼贴法

④ 关于国画

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中国画又称“国画”。它依照中华民族特有的审美趋向及因此而产生的艺术手法而创作。
国画在内容和艺术创作上，反映了中华民族的民族意识和审美情趣，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。国画强调“外师造化，中得心源”，融化物我，创制意境，要求“意存笔先，画尽意在”，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，两者在达意抒情上都强调骨法用笔、因此绘画同书法、篆刻相互影响，相互促进。近现代的中国画在继承传统和吸收外来技法上，有所突破和发展。
侯子墓帛画(西汉)中国画历史悠久，远在2000多年前的战国时期就出现了画在丝织品上的绘画——帛画，这之前又有原始岩画和彩陶画。这些早期绘画奠定了后世中国画以线为主要造型手段的基础。两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，域外文化的输入与本土文化所产生的撞击及融合，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物、取材文学作品亦占一定比例，山水画、花鸟画亦在此时萌芽，同时对绘画自觉地进行理论上的把握，并提出品评标准。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟 ，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿 ，距离时代和生活愈去愈远。中国画自19世纪末以后在近百年引入西方美术的表现形式与艺术观念以及继承民族绘画传统的文化环境中出现了流派纷呈、名家辈出、不断改革创新的局面。
19世纪以后，在政治、经济（特别是商业、文化发达的上海、北京（含天津）、广州等中心城市，汇聚了一大批画家，即以上海为中心的江浙画家群，如任颐、虚谷、吴昌硕、黄宾虹、刘海粟、潘天寿、朱瞻、张大千、傅抱石、钱松喦、陆俨少等人；以北京为中心的北方画家群，如齐白石、陈师曾、金城、陈半丁、王雪涛、李苦禅、蒋兆和、李可染等；以广州为中心的岭南画家群，如高剑父、高奇峰、陈树人、何香凝、赵少昂、关山月、黄君璧等人。随着形势的变化和时代的更迭，上述地区的画家亦有流动，如抗日战争时许多画家来到西南地区，1949年后又有许多画家如张大千、黄君璧、赵少昂等人移居国外和港台地区。今全国大多数省市成立了画院，在3个中心之外，又出现了许多新的中心 ，画家队伍空前扩大。
在现代中国画家中，许多画家继承并坚持传统绘画的基本模式，他们或以模仿、传承前代画家技巧、风范为原则，或在继承传统的同时，力图变革，在保存、发展传统的同时，形成自己的风格。前者有金城、顾麟士等人，后者以齐白石、黄宾虹、潘天寿等人为代表。
自五四新文化运动以后，随着西方美术的大量引入和反封建斗争的深入，改革中国画成为新的时代潮流。以留学日本、欧美的高剑父、高奇峰、刘海粟、徐悲鸿、林风眠等人为代表，倡导将西方美术的写实及近代西方美术的创作观念与传统的中国画像融合，走出了一条改革、创新中国画的新路子，使传统的中国画焕发了新的生机。其中高剑父、高奇峰等岭南画派画家，提倡折衷中外，融合古今，将日本画法与传统的撞水、撞粉法和没骨法相糅合，创造出了一种雄劲奔放、具有时代感的新风格。徐悲鸿将西方绘画的写实手法融入传统的笔墨之中，丰富了中国画的表现性。林风眠则调和中西，并汲取民间美术的质朴与刚健，形成了自己意境深邃，形式新颖的独特风格。另外，陈之佛将中外装饰艺术中的色彩融入工笔花鸟画的创作，张大千借鉴西方抽象表现主义的某些手法，创出泼彩画法；李可染受西方画写生的启发，直接对景写生对景创作；吴冠中用中国画的工具材料和西方现代艺术的形式、观念等表现中国画传统的诗情与境界等等，均取得了重要成就。
随着时代的变迁，中国画由过去士大夫和贵族娱乐自赏的贵族艺术转向为“民众的艺术”，由过去的象牙之塔，走向十字街头。使中国画在题材内容上产生了深刻的变化。画家们将视角投向社会现实，创作了一大批具有时代特征的优秀作品。
20世纪中国画的创新与继承
1919年爆发的五四运动，高举起了反对封建文化的新文化运动大旗。在美术领域，主张革新的美术家们纷纷响应新文化运动的号召，通过变革传统中国画来创造新的，适应时代需要的新美术。在这一变革过程中，一部分美术家积极引进西方美术的写生，写实方法，在世纪初形成了学习西方绘画，兴办美术学校的热潮。“写实改造中国画”，主要针对明清时期文人墨画模拟古人笔法，缺少新的创造而进行变革。以徐悲鸿为代表的写实风格画家与古代画家作品的比较中，可以部分了解这种变革的特点。
中国画的“画分三科”，人物、花鸟、山水，表面上是以题材分类，其实是用艺术表现一种观念和思想。所谓“画分三科”，即概括了宇宙和人生的三个方面：人物画所表现的是人类社会，人与人的关系；山水画所表现的是人与自然的关系，将人与自然融为一体；花鸟画则是表现大自然的各种生命，与人和谐相处。三者之合构成了宇宙的整体，相得益彰。这是由艺术升华的哲学思考，是艺术之为艺术的真谛所在。
当代国画在世界美术领域中自成体系。按其题材和表现对象大致可分为人物画、山水画、花鸟画、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种。主要运用线条和墨色的变化，以钩、皴、点、染，浓、淡、干、湿，阴、阳、向、背，虚、实、疏、密和留白等表现手法，来描绘物象与经营位置；取景布局，视野宽广，不拘泥于焦点透视；按表现形式有壁画、屏幛、卷轴、册页、扇面等画幅形式，辅以传统的装裱工艺装潢之。按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。
人物画
（1）人物画的历史进程：
以人物形象为主体的绘画之通称。我国的人物画，历史悠久。据记载，商、周时期，已经有壁画。东晋时的顾恺之专尚画人物画，在我国绘画是上第一个明确提出"以形写神"的主张。唐代闫立本也擅长人物画。还有吴道子、韩斡等等。都为人物画做出了卓越的贡献。唐以后画人物画的画家就更多了，历代都有。
徐悲鸿的《泰戈尔像》中国的人物画，是中国画中的一大画科，出现较山水画、花鸟画等为早；大体分为道释画、仕女画、肖像画、风俗画、历史故事画等。人物画力求人物个性刻画得逼真传神，气韵生动、形神兼备。其传神之法，常把对人物性格的表现，寓于环境、气氛、身段和动态的渲染之中。故中国画论上又称人物画为“传神”。历代著名人物画有东晋顾恺之的《洛神赋图》卷，唐代韩滉的《文苑图》，五代南唐顾闳中的《韩熙载夜宴图》，北宋李公麟的《维摩诘像》，南宋李唐的《采薇图》、梁楷的《李白行吟图》，元代王绎的《杨竹西小像》，明代仇英的《列女图》卷、曾鲸的《侯峒嶒像》，清代任伯年的《高邕之像》，以及现代徐悲鸿的《泰戈尔像》等。在现代，更强调“师法化”，还吸取了西洋技法，在造型和布色上有所发展。
（2）人物画的画法和表现方法：
要画好人物画，除了继承传统外，还必须了解和研究人体的基本形体、比例、解剖结构，以及人体运动的变化规律，方能准确的塑造和表现人物的形和神。 画人物有几种表现方法，各有所长，如：白描法，勾填法，泼墨法，勾染法。
山水画
（1）山水画的历史进程：
描写山川自然景色为主体的绘画。山水画(俗称风景画、风光画或彩墨画)，是专门的艺术学科，历史悠久。山水画在魏晋、南北朝已逐渐发展，但仍附属于人物画，作为背景的居多；隋唐始独立，如展子虔的设色山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水等；五代、北宋山水画大兴，作者纷起，如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、赵伯驹、赵伯骕的青绿山水，南北竞辉，形成南北宗两大派系，达到高峰。自唐代以来，每一时期，都有著名画家，专尚从事山水画的创作。尽管他们的身世、素养、学派、方法等不同；但是，都能够用过笔墨、色彩、技巧，灵活经营，认真描绘，使自然风光之美，欣然跃于纸上，其脉相同，雄伟壮观，气韵清逸。元代山水画趋向写意，以虚带实，侧重笔墨神韵，开创新风；明清及近代，续有发展，亦出新貌。表现上讲究经营位置和表达意境。传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。主要代表画家有:明代的董其昌,清代石涛近代黄宾虹和傅抱石、李可染,当代贾又福、范扬、方骏、张凡等。
（2）山水画的组成：
山水画的组成包括：山、水、石、树、房、屋、楼台、舟车、桥梁、风、雨、阴、晴，雪、日、云、雾及春、夏、秋、冬气候特征等。
（3）山水画主要代表：
◆ 青绿山水
山水画的一种。用矿物质石青、石绿作为主色的山水画。有大青绿、小青绿之分。前者多钩廓，少皴笔，着色浓重，装饰性强；后者是在水墨淡彩的基础上薄罩青绿。清代张庚说：“画，绘事也，古来无不设色，且多青绿。”元代汤垕说：“李思训著色山水，用金碧辉映，自为一家法。”南宋有二赵（伯驹、伯骕），以擅作青绿山水著称。中国的山水画，先有设色，后有水墨。设色画中先有重色，后来才有淡彩。
◆ 浅绛山水
蔡彦才浅绛山水画山水画的一种。在水墨钩勒皴染的基础上，敷设以赭石为主色的淡彩山水画。《芥子园画传》说：“黄公望皴，仿虞山石面，色善用赭石，浅浅施之，有时再以赭笔钩出大概。王蒙复以赭石和藤黄着山水，其山头喜蓬蓬松松画草，再以赭色钧出，时而竟不着色，只以赭石着山水中人面及松皮而已。”这种设色特点，始于五代董源，盛于元代黄公望，亦称“吴装”山水。
◆ 金碧山水
中国画颜料中的泥金、石青和石绿。凡用这三种颜料作为主色的山水画，称“金碧山水”，比“青绿山水”多泥金一色。泥金一般用于钩染山廓、石纹、坡脚、沙嘴、彩霞，以及宫室、楼阁等建筑物。但明代唐志契《绘事微言》中另持一说：“盖金碧者：石青石绿也，即青绿山水之谓也。后人不察，加以泥金谓之金笔山水，夫以金碧之名而易以金笔之名可笑也！”
水墨画
中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。
院体画
简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》） 以张铨、江宏伟、贾广键、赵蓓欣、喻慧等为代表的现代中青年画家为现代院体画的发展作出了一定的贡献。

工笔画

工笔画在唐代已盛行起来。所以能取得卓越的艺术成就的原因，一方面绘画技法日臻成熟，另一方面也取决于绘画的材料改进。工笔画须画在经过胶矾加工过的绢或宣纸上。初唐时期因绢料的改善而对工笔画的发展起到了一定的推动作用，据米芾《画史》所载：“古画至唐初皆生绢，至吴生、周、韩斡，后来皆以热汤半熟，入粉捶如银板，故作人物，精彩入笔。”
工笔画一般先要画好稿本，一幅完整的稿本需要反复地修改才能定稿，然后复上有胶矾的宣纸或绢，先用狼毫小笔勾勒，然后随类敷色，层层渲染，从而取得形神兼备的艺术效果。如陈之佛所作秋艳图。
当代具有影响力的工笔名家有刘大为、林凡、何家英、冯大中、王泰戈、苏若闲等。
文人画
亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强调神韵，很重视文学、书法修养和画中意境的缔造。姚茫父的《中国文人画之研究·序》曾有很高的品评：“唐王右丞（维）援诗入画，然后趣由笔生，法随意转，言不必宫商而邱山皆韵，义不必比兴而草木成吟。”历代文人画对中国画的美学思想以及对水墨、写意画等技法的发展，都有相当大的影响。
漫画
水墨漫画，即构思上具有漫画的特点，题材广泛，或讽刺或赞美，但表现手法上运用中国传统水墨画技巧，兼具其雅致。较之一般的漫画，水墨漫画更具有观赏价值。它的出现 扩展了漫画的表现、观赏领域与品种。中国的水墨漫画也涌现了很多优秀作者，如丰子恺、华君武、黄永玉、韩羽、方成、王成喜、梅湘涵、毕克官、徐鹏飞、蒋文兵、何韦、常铁钧、徐进、白善诚、等人，同时也涌现了许多优秀作品。
花鸟画
（1）花鸟画的历史进程
在魏晋南北朝之前，花鸟作为中国艺术的表现对象，一直是以图案纹饰的方式出现在陶器、铜器之上。那时候的花草、禽鸟和一些动物具有神秘的意义，有着复杂的社会意蕴。人们图绘它并不是在艺术范围内的表现，而是通过它们传达社会的信仰和君主的意志，艺术的形式只是服从于内容的需要。
人类早期对花鸟的关注，是孕育花鸟画的温床。史书记载，魏晋南北朝时期已有不少独立的花鸟画作品，其中有顾恺之的《凫雁水鸟图》、史道硕的《鹅图》、陆探微的《半鹅图》、顾景秀的《蝉雀图》、袁倩的《苍梧图》、丁光的《蝉雀图》、萧绎的《鹿图》，如此等等可以说明这一时期的花鸟画已经有了一定的规模。虽然现在看不到这些原作，但是通过其他人物画的背景可以了解到当时的花鸟画已具有相当高的水平，如顾恺之《洛神赋图》中的飞鸟等。
墨僧写意花鸟画 这一时期的花鸟画较多的是画一些禽鸟和动物，因为它们往往和神话有一定的联系，有的甚至是神话中的主角。如为王母捣药的玉兔，太阳中的金乌，月宫中的蟾蜍，以及代表四个方位的青龙、白虎、朱雀、玄武等。一般说花鸟画在唐代独立成科，属于花鸟范畴的鞍马在这一时期已经有了较高的艺术成就，现在所能见到的韩干的《照夜白》、韩滉的《五牛图》以及传为戴嵩的《半牛图》等，都表明了这一题材所具有的较高的艺术水准。
而记载中曹霸、陈闳的鞍马，冯绍正的画鹰，薛稷的画鹤，韦偃的画龙，边鸾、滕昌佑、刁光胤的花鸟，孙位的画松竹，不仅表现了强大的阵容，而且各自都有杰作。如薛稷画鹤，杜甫有诗赞曰：“薛公十一鹤，皆写青田真。画色久欲尽，苍然犹出尘。低昂各有意，磊落似长人。”
（2）花鸟画的画法
花鸟画的画法大致可分为二类：工笔花鸟；写意花鸟。昆虫亦有工、写之分。表现的方法有：白描（又称双勾）、勾勒、勾填、没骨、泼墨等等。他和山水一样，有悠久的历史。花鸟画的学习步骤不外乎临摹、写生、创作。表现的主题有：竹、兰、梅、菊、牡丹、荷花等；禽鸟有：鸡、鹅、鸭、仙鹤、杜鹃、翠鸟、喜鹊、鹰；昆虫有：鹦鹉、蝴蝶、丰、蜻蜓、蝉，杂虫有：蝈蝈、蟋蟀、蚂蚁、蜗牛、蜘蛛等。
新文人画
新文人画，即“中国新文人画”指20世纪80年代末90年代初中国艺术界出现的一种文化现象。
1996年北京画家边平山经常同福州画家王和平、河北画家北鱼在边平山先生的“平山书屋”聚晤聊天，由于在艺术见解和追求上有许多共同之处，故萌发了发起中国画联展的想法。后又与南京画家王孟奇、方骏等商定，由天津画家霍春阳在天津美院展览馆操办此次展览，这样，便是“新文人画”的开端。
后来全国各地的画家如：朱新建、刘二刚、王镛、徐乐乐、朱道平、陈平、田黎明、江宏伟、梅湘涵等响应并加入进来，成为一种在全国很有影响的文化现象。“新文人画”同“’85新潮”、“星星画展”等成为20世纪80年代、90年代中国艺术史的辉煌一页。

⑤ 请问关于画画的专业有哪些要全哦！

大类分为纯艺类和设计类。
不用说，纯艺类当然就是往艺术家方面走的，这条路比较辛苦，但是许多想当画家的人宁可饿死也要画画，这种我比较佩服。
设计类比较实用，主要为商所用，限制性比较多，但是收入稳定，适合普通人学习。
比较偏向纯艺类的有国画、油画、壁画、雕塑、还包括现今流行的实验艺术类和新媒体等等，不过这方面我不太懂，但让也不是说学这些就一定搞纯艺。
还有就是设计，那当然也很多类，有工业设计、产品设计、书籍装帧、动画制作、插图设计。这些的应用比较普遍，可以针对普通的设计公司，游戏制作公司等等。
绘画专业 概述： 本专业培养具有一定的绘画艺术方面的基本理论和基本知识，受到艺术思维与绘画造型的基本训练，并具备绘画艺术创作、教学、研究等方面的能力，能在文化艺术领域、教育、设计、研究、出版、管理单位从事教学、创作、研究、出版、管理等方面工作的高级专门人才。 一、专业基本情况 1、培养目标 本专业培养具有一定的马克思主义基本理论素养，并具备绘画艺术创作、教学、研究等方面的能力，能在文化艺术领域、教育、设计、研究、出版、管理单位从事教学、创作、研究、出版、管理等方面工作的高级专门人才。 2、培养要求 本专业学生主要学习绘画艺术方面的基本理论和基本知识，受到艺术思维与绘画造型的基本训练，具有绘画创作的基本能力，毕业生应获得以下几方面的知识和能力： ◆ 掌握绘画的、学科的基本理论、基本知识； ◆ 掌握绘画创作的专业技术； ◆ 具有专业艺术创作的基本能力； ◆ 了解文化艺术事业的方针、政策和法规； ◆ 了解国内外美术发展的动态； ◆ 掌握文献检索、资料查询的基本方法，具有一定的科学研究和实际工作能力。 3、主干学科 艺术学。 4、主要课程 素描、色彩、专业技法、创作、中外美术史。 5、实践教学 社会实践、艺术考察，每年1—2次，一般安排4—6周。 6、修业时间 4年。 7、学位情况 文学学士。 8、相关专业 雕塑、美术学。 9、原专业名 中国画、油画、版画、壁画。 二、专业综合介绍 绘画学是美术类院校的重点学科之一。该专业一般可分为中国画（简称国画）、油画、版画三个方向，要求学习国画、素描、色彩、油画技法、中外美术史等几方面内容。 绘画属于造型艺术的一种，是用笔、刷、刀等工具，黑墨、颜料、油脂、溶剂、稀释剂等物质材料，在纸、木板、纺织品、器皿、墙壁或其他平面上绘制可见形象的艺术。绘画有东方画系和西方画系之分。以中国画为代表的是东方绘画，偏重写意传神和线条造型。传统的西方绘画是以素描为基础，油画为正宗，用近远法、描影法等各种技法精深地画出立体感，注意形态的写实性。一些现代派绘画则追求抽象表现，与传统绘画艺术有着很大的不同。 关于中国绘画的起源，新编《三字经》概括说：“中国画，起源古，象形字，奠基础；文与画，在当初，无歧异，本一途。”中国画是在中华民族的土壤上长期形成和发展起来的民族绘画，已经在世界美术领域中自成一派。西洋画（包括油画、水彩、水粉、版画、铅笔画等等，其中，油画是西洋画的主要画种）传到中国虽然不过百年，也已经在各大艺术院校普及开来。从远古的岩洞壁画到现代的电脑艺术，绘画学已经走过了一段很长也很艰难的发展历程。绘画学主要在美术学院开设，分工越来越细；一些综合性大学利用人文学科齐全的优势，开设此专业，注重学生文化理论水平的提高和绘画创作能力的训练，培养既有较强绘画能力，又有深厚文化知识素养的高水平艺术人才。 艺术的大门永远对所有人敞开，相信只要有点美术知识的人，都会知道拉菲尔、达芬奇、梵高、莫奈和齐白石，也可能对印象派、抽象派、达达派产生过兴趣，对空间感、体积感、明暗、透视这些绘画学术语，你也可能并不陌生。然而，如果没有切身地从事过绘画，如果不了解绘画学，你就永远只能是个绘画艺术的局外人。艺术无边界但艺术学有阻隔，你并不是喜欢什么就可以报考什么，因此，想报考绘画学的考生还须具备相当的美术知识和一定的绘画才能。 一般艺术类院校在招生时都会有具体规定，绘画学也不例外。考生除符合《普通高等学校招生体检标准》外，还须符合该专业的相关要求，即非色盲、色弱。有意从事绘画学的考生，除参加全国普通高等学校文史类统一考试外，还需进行相关的绘画类考试，一般都要求测试素描（包括速写）、创作，部分学校还要求口试。由于中国画要在画面上题写诗文，书法的优美也相当重要。因此报考时要特别注意相关院校具体专业的具体要求。此外要特别重视速写，速写画得不好，素描也会受影响。虽然有些院校对此不做要求，但清华大学和中央美术学院特别看重，速写在素描中占到了30%的比例，要求有绘画性和表现力。 为了培养更多优秀的绘画人才，国内目前招生，学制四年，毕业后授予文学学士学位。在教学上，一般采取综合性基础训练、工作室学习与综合性创作相结合的学习方式，具体时间调配由各大院校自己决定。旨在培养具有一定的马克思主义基本理论素养，具备绘画艺术创作、教学、研究等方面能力的人才。毕业生既能在文化艺术领域大展宏图，甚至自称派系，也能在教育机构、研究机构、设计单位、新闻出版单位找到一席之地，或从事教学、研究，或搞设计、出版。有志去企事业单位和管理机构发展的同学，也同样能成为美工、广告策划、文秘、管理等方面的美术专门人才。 绘画专业代码：050404。 三、专业教育发展状况 我国第一所国立美术学校于1918年在北京成立，设有中国画和西洋画两个本科绘画专业，这也是近代我国美术院校绘画学科的开始。第一任校长是郑锦，在该校任教的陈师曾、李毅士、吴法鼎、严智开、赵太侔等曾历尽艰辛，培养出了一批美术专业人才。在南方，国立艺术院校于1928年在杭州成立，院长是林凤眠，设有国画和西画两个绘画专业，师资上除少数中国画教授外，几乎都是留法的艺术家和学者，后来由于社会环境的多变，学院五易其名，十迁其址，历尽沧桑，但学院的教学从未间断。至1947年，该院中国画和西画两个专业共有学生132人。抗日战争胜利后，徐悲鸿于1946年出任国立北平艺专校长，在教学中提出“素描为一切造型艺术之基础”，把素描列为各专业的必修基础课程，叶浅予、李掸、李可染等都是当时中国画、西画专业的著名教师；在解放区的延安，鲁迅艺术学院美术系的江丰、蔡若虹、王式廓等主倡，在艰苦的条件下发展了具有传统特色的版画和民间美术。 建国后，我国于1950年成立中央美术学院，这是中华人民共和国最早建立的最高美术学府，由吴作人负责绘画系，招收3年制学员，建校第一年，绘画系招生100余人，分甲、乙、丙、丁4个班授课。 自1952年起，中央美术学院开始建立5年本科制，将绘画分为油画、彩墨和版画3个系，分别由艾中信、叶浅予和李桦任系主任。到50年代，我国在学习国外艺术创作时实行“一边倒”政策，建立了以苏联模式为标准的教学体系，中央美术学院、鲁迅美术学院等均建立画室制。绘画专业自建国至“文革”前的主要成就有李可染的《土改分到了大黄牛》、董希文的《开国大典》、罗工柳的《地道战》、王式廓的《血衣》、鲁迅美术学院师生创作的《攻克锦州》以及中南美术专科学校胡一川的《前夜》等。 “文革”期间，全国各美术院校均被下放，由部队代管，专业停滞，各院校有影响的人物如江丰、胡一川等受到错误批判，使专业发展遭受重大打击。 改革开放打开了中国尘封的国门，当人们再次环顾西方绘画时，一切都已改变。此时，国外绘画专业已经步入了新的发展方向，传统写实主义的表现方法被现代大师们几乎全部抛弃，在教学上，绘画专业重视学生个人创造能力的培养，鼓励在创作中探索新方法和新材料的应用。西方反传统的倾向已经引起了评论家的重视，用涂涂抹抹的这种荒唐的方法去创造的所谓“艺术品”，已经把绘画推向了无原则状态。如今，传统方法已唤起了西方的注意，这也许就是新世纪“艺术复兴”的开始。 在我国，改革开放后各艺术院校纷纷恢复专业并开始招生，在校生人数逐年增加，日前，开设绘画专业的院校有中央美术学院、中国美术学院、广州美术学院、鲁迅美术学院、西安美术学院等，活跃在各院校从事教学工作的吴冠中、靳尚谊、张订、刘文西、韦尔申、罗中立等都在这一时期创作了很多反映改革开放时代风貌的作品。鉴于各院校绘画类专业设置不规范等现象，国家教委在1998年调整专业目录时，将中国画、油画、版画专业合为绘画专业，注重各专业之间的相互学习和吸收，加强了基础训练，各院校在招生人数上一般都限制在每个专业15人左右，这主要是为了人才培养的需要。在西方教学方法和创作观念迅速更新的今天，我国在美术学院中沿用的仍是苏联的教学模式和创作方法，国家在文艺创作上提倡的“百花齐放”、“百家争鸣”的方针为改革开放以来中国绘画学科的发展提供了宽松的社会环境。 在国际上，绘画专业采取比较灵活的教学方法，提倡学生的个人创作，同时，社会也为绘画新观念、新方法的产生提供了宽松的条件。而这观念式的发展趋势对于中国大众来说是难以接受的，当前我国社会需求的仍以是否具备较强的写实能力做为一个画家成败的标准，改革开放后，外国的画廊产业传入中国，然而画廊业在中国的发展并不受青睐。购买者的审美趣味在很大程度上支配着画家，并决定着他们的生存状况。随着中国改革开放的不断深入以及中国与世界接轨，西方的现代艺术将会被更多地介绍给大众，并逐渐被中国人所部分认同，传统的写实方法将会在这次中西文化的撞击中接受挑战。应当说其调整是发展的必然，绘画专业培养的不应是一个个克隆出来的画家，艺术更需要个性的追求。相信在不久的将来，中国绘画专业在融合中西方上能取得更大突破，在汲取新的养料的同时继续前进，为国家和人民创造出反映新时代特色的、为社会主义建设服务的优秀作品。 四、专业就业数据分析 五、专业就业状况及趋势 本专业就业领域包括画廊、个人创作及执教等。画廊业是随着我国的改革开放由国外引进的一种艺术经营方式，目前在大中城市已比较普及，对绘画人才有较大需求，根据近年就业状况，画廊业已成为许多绘画专业学生谋职的重要领域。画廊与画家的合作，不仅使本行业得到发展，同时还能为画家提供创作的资金支持，使其能够创作出更好的作品。个人创作行业的投身者主要是那些不愿为迎合购买者的趣味而专心致力于纯美术创作的人，凭着对艺术的执著从事自己的合作和销售活动。在学校执教现已成为本专业就业的一个热点，就业者逐年增加，学校为毕业生提供了一个比较稳定的职业，同时也使其在教学中总结经验，不断发展个人创作；就人才需求状况来看：油画专业的就业率要超过中国画专业和版画专业；在版画专业上现在存在着师资后备不足的现象，社会对本专业人才需求量的下降也是其就业形势不被看好的一个重要原因。 国家在就业政策上对绘画专业采取鼓励创新的方针，针对目前绘画人才过多过滥的状况，现在已经强调了创新对于绘画业发展的重要意义。在绘画专业有影响的人物依然是各美术院校在社会上知名的美术家，如吴冠中、靳尚谊、姚有多、闻立鹏等，绘画专业成就的获得很多都在于评说家的鼓吹以及全国美展中涌现出来的画家。在就业方面需注意的是：我国的绘画教学依旧是传统的方法，有人士提出要改变这一状况，但社会上对于绘画的评判标准则是以写实的眼光来判断，公众的审美标准需要长期去改变，故绘画基础掌握的状况以及创新的能力已成为画廊及公司对毕业生考察的重要方面，事关今后的就业情况，艺术市场总是一种低投入高回报的现象，画家的名声与收入有着很大关联，适应市场是毕业生的一项首要任务。 绘画专业学生将最终投身于艺术市场，因此有必要对中国的艺术市场有个整体认识。艺术市场的迅猛发展在我国是改革开放以后的事，艺术市场经过政府的规范、指导，一批专业人士介入艺术品的策划、经营活动，如当前绘画界的陈逸飞立足于传统，利用西方油画的娴熟技巧来表现我国清末民初的人文景观，受到经济人的重视和青睐。与此同时，国内一批高水平画家也抛头露面与市场正式接轨，艺术市场日趋完善。在沿海发达城市，艺术品投资已成为仅次于股票、房地产的第三大投资热门。 艺术市场的繁荣和发展为绘画从业者提供了良好的市场环境，激发他们创作出了大量优秀作品，在艺术形式、风格、流派上具有更多选择的余地。但同时我们也应看到，伪劣艺术品已对艺术市场产生了巨大冲击，市场的走势已超过人们的预想，许多人都在持观望态度。而许多改行学绘画者也不得不为自己的前途感到忧虑，画廊惨淡经营，不少曾经火爆的画廊也不得不关门。 有了这些了解，我们就应当对绘画专业就业的状况有大致的认识。画廊作为一种新兴产业，有它自身相关的历史和发展规律，它的形成和发展是靠艺评家、经济人、收藏家、基金会以及围绕在画廊周围的大众共同努力的结果。目前，一家画廊一般保持12到15名签约画家，以保证每年至少为每名画家安排一次画展的时空，展期为1至3个月，画廊视作品销售情况提升作品售价。目前本行业发展存在一定问题，但伴随着我国经济的持续增长，人们的艺术消费将大幅度提高，画廊业必将作为与文化的成功联姻继续发展下去。 教师职业是相对稳定的行业。随着社会办学的增加以及美术院校的发展，对绘画专业学生的需求很大，一些从美院毕业的学生经过几年的努力已完全可以成为一个美术系的骨干力量。现在许多绘画专业学生因不愿进入情况复杂的艺术市场而纷纷进入各美术院校，以求得平衡的发展空间，教师行业正日益成为绘画专业的就业热点。 在今后的就业趋势上，有创新能力，具备较强的绘画基础的学生将日益受到重视。环境、社会的发展要求学生走出校园，通过与社会的接触锻炼自己的能力，及时发现存在的不足。我们应当看到，艺术家的真正追求不能是唯一的金钱，金钱会使艺术走向堕落。艺术可以成为商品，但艺术本身并不是商品，真正的发展需要自己用心去表现生活，表现时代的精神体验，这才是成功就业的正确心态。 毕业后一切与美相关的工作。 在社会上就业前景十分广泛，可以成为： 画家——用灵感表现生活，表现自我； 工艺美术师——用实用的美装点生活（陶瓷工艺、玻璃工艺等、剪纸工艺等）； 教师——教书育人。 六、专业院校分布（部分） 四川美术学院 贵州大学 云南艺术学院 西安美术学院 天津美术学院 山西大学 内蒙古大学 鲁迅美术学院 吉林艺术学院 上海大学 南京艺术学院 山东艺术学院 河南大学 湖北美术学院 广州美术学院 广西艺术学院 中央民族大学 西北民族大学 中央美术学院 中国美术学院 南开大学 四川大学 淮北煤炭师范学院 清华大学 哈尔滨师范大学 延边大学

不过就像前两位说的，所有的一切基础都是素描色彩，还有丰富的想象力！

⑥ 谁能介绍一下学美术能用到的笔

我总结下，绘画工具（笔）主要分软、硬两种
软包括：毛笔、排刷、油画棒、水彩笔（以毛质笔为主）
硬包括：铅笔、钢笔、炭条、有色笔、（以及其他书写笔）、

也可使用特殊材料在媒介上作画 比如：油画刀、干枯的画棒（笔）、橡皮擦等等、甚至直接用手也可，这些绘画硬件方面可以自由发挥，不要被书本的规矩蒙蔽你的天分哦！

⑦ 简述罗马式美术、哥特式美术、拜占庭美术的基本特征

拜占庭美术:君士坦丁堡时期（330～395）的罗马帝国美术和东罗马帝国（395～1453）美术
拜占庭美术首先是宗教美术。拜占庭建筑是基督教教会的建筑,绘画作品多取材于《圣经》,其形式和人物表情处理都须遵循具有神学意义的传统模式。拜占庭美术也是封建帝国的艺术。它炫耀帝国的强大和帝王的威严，把帝王表现为基督在尘世的代理人。拜占庭美术还被看作东西方融合的艺术。它注重色彩的灿烂，装饰的华丽,强调人物精神的表现。在拜占庭建筑中,大理石镶嵌画、壁画和其他艺术品的缤纷色彩互相辉映，造成一派壮丽华贵的景象。

罗马式美术:11～12世纪的西欧艺术风格
11世纪时，西欧城市重新兴起，封建制度日趋稳固，修道院制度也更加完备。随着1096年的十字军东征及大规模的传道活动，在欧洲掀起了宗教的热潮。统治者都为各自的城市兴建宏伟的教堂和修道院，建筑史上称这种新形制为罗马式。而此期的其他造型艺术如雕刻、绘画等，也都成为与建筑不可分割的装饰部分。美术史上遂将这个时期的艺术风格统称为罗马式。其成熟于11世纪中叶，盛行于12世纪末，但有些国家则延续到13世纪以后。

哥特式美术:12～15世纪的中世纪欧洲美术
意大利文艺复兴学者认为此期美术野蛮怪诞，缺乏艺术趣味，故用“蛮族”——哥特人一词，称之为哥特式。其最早产生于法国，之后风靡整个欧洲。哥特(Gothic)这个特定的词汇原先的意思是西欧的日耳曼部族。在18世纪到19世纪的建筑文化与书写层面，所谓“哥特复兴”（Gothic Revival）将中古世纪的阴暗情调从历史脉络的墓穴中挖掘出来哥特式建筑是11世纪下半叶起源于法国，13～15世纪流行于欧洲的一种建筑风格。主要见于天主教堂，也影响到世俗建筑。哥特式建筑以其高超的技术和艺术成就，在建筑史上占有重要地位。哥特式教堂的结构体系由石头的骨架券和飞扶壁组成。其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上做双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。采用这种方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱顶重量轻，交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。

⑧ 国画里面的燕子怎么画

国画燕子的画法，下面举几个例子：

第一种画法：

1、先调中等墨版色，笔尖蘸浓墨。一笔点头（权图1）。

⑨ 儿童美术唯美句子

唯美的句子(儿童)：1、春天是碧绿的天地，秋天是黄金的世界。愿你用青春的绿色去酿造未来富有的金秋！
2、孩子，愿你快快脱去幼稚和娇嫩，扬起创造的风帆，驶向成熟，驶向金色的海岸。
3、明天，这是个美丽灿烂、辉映着五光十色的迷人的字眼。愿你的明天无限美丽、无限灿烂、无限迷人！
4、磨一根开心的针，抽一根愉悦的线，穿起如意吉祥，为宝宝缝制一件好运的衣裳，祝福宝宝百日快乐，千时如意，万事顺心！
5、你长着一对翅膀。坚韧地飞吧，不要为风雨所折服；诚挚地飞吧，不要为香甜的蜜汁所陶醉。朝着明确的目标，飞向美好的人生。
6、你是泊于青春的港口的一叶小舟，愿你扬起信念的帆，载着希望的梦幻，驶向辽阔的海洋。
7、亲爱的孩子，你有着最令人羡慕的年龄，你的面前条条道路金光灿灿，愿你快快成长起来，去获取你光明的未来。
8、身体强壮，快快长大，越长越可爱哦。
9、生活是一本精深的书，别人的注释代替不了自己的理解，愿你有所发现，有所创造。
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祝福宝宝的句子 未来富有的金秋(2)
10、生活像广阔的海洋一样深，在它未经测量的深度中保存着无数的奇迹。愿你是这些奇迹的勇敢者探秘者！
11、天道酬勤，人世间没有不经过勤劳而成为天才的，愿你日夜勤奋，早日成才！
12、我九分庆幸，一分妒嫉，你们睁开眼就是花的世界，一下子就沉浸在幸福里；我一声祝贺，九声期冀，愿你为后人创造更美的天地！
13、愿你是风，鼓起白色的帆；愿你是船，剪开蓝色的波澜。生活正在你的前方微笑，勇敢地走上前去，将彩色的人生拥抱。
14、愿你是一棵树：春天，吐一山淡淡的香味；夏天，洒一抹如泉的凉荫；秋天，举一树甜甜的青果；冬天，做一个养精蓄锐的好梦！
15、愿你像颗种子，勇敢地冲破泥沙，将嫩绿的幼芽伸出地面，指向天空。
16、愿你像松柏一样坚定，像杨柳一样柔韧，像花朵一样妩媚。
17、在嫉妒的浪尖越过，是强者；在吹捧的峡谷中冲出，是智者。愿你智勇双全，心中“无我”。
18、衷心地祝贺你，用智慧、才情、胆略和毅力，开辟出一块属于你自己的土地。
望采纳谢谢。

⑩ 最能体现出两晋南北朝时期绘画和雕塑综合特点的是什么呀。

这个时期，北方各地无名工匠创作的石窟寺艺术----龙门石窟，云冈石窟，是雕塑和绘画的综合，是这一时期最高的艺术成果。 石窟寺艺术，是随着佛教东传而在北方各地由西向东陆续发展起来的。反映了我国魏晋南北朝的佛教艺术，主要有几个特点： 1、神性与人性的融合：造像介于人神之间 2、环境与心境的结合：选择在远离闹市的山清水秀之处，环境本身就给人一种世外桃源的感觉 3、佛门等级与造像布局：形象的处理上却采取不平等的形式 4、装彩与眼神：石窟造像最初都是装彩的，雕像的目光都比较固定 5、象征性与艺术处理：佛教形象与生活原形明显有别 三国两晋南北朝艺术（绘画 书法 雕塑概况） 《洛神赋》图卷 东晋 顾恺之(约348～409) 三国时代魏文学名家曹植(曹子建)的浪漫主义爱情名篇《洛神赋》。《洛神赋》原名《感甄赋》。其写作牵涉到曹植与魏文帝曹丕之妃甄氏之间的一段错综复杂的感情。 《洛神赋》原文： 黄初三年，余朝京师，还济洛川。古人有言，斯水之神，名曰宓妃。感宋玉对楚王神女之事，遂作斯赋。其辞曰： 余从京域，言归东藩。背伊阙，越轘辕，经通谷，陵景山。日既西倾，车殆马烦。尔乃税驾乎蘅皋，秣驷乎芝田，容与乎阳林，流眄乎洛川。于是精移神骇，忽焉思散。俯则末察，仰以殊观，睹一丽人，于岩之畔。乃援御者而告之曰：“尔有觌于彼者乎？彼何人斯？若此之艳也！”御者对曰：“臣闻河洛之神，名曰宓妃。然则君王所见，无乃日乎？其状若何？臣愿闻之。”余告之曰：“其形也，翩若惊鸿，婉若游龙。荣曜秋菊，华茂春松。仿佛兮若轻云之蔽月，飘飘兮若流风之回雪。远而望之，皎若太阳升朝霞；迫而察之，灼若芙蕖出渌波。襛纤得衷，修短合度。肩若削成，腰如约素。延颈秀项，皓质呈露。芳泽无加，铅华弗御。云髻峨峨，修眉联娟。丹唇外朗，皓齿内鲜，明眸善睐，靥辅承权。瑰姿艳逸，仪静体闲。柔情绰态，媚于语言。奇服旷世，骨像应图。披罗衣之璀粲兮，珥瑶碧之华琚。戴金翠之首饰，缀明珠以耀躯。践远游之文履，曳雾绡之轻裾。微幽兰之芳蔼兮，步踟蹰于山隅。于是忽焉纵体，以遨以嬉。左倚采旄，右荫桂旗。壤皓腕于神浒兮，采湍濑之玄芝。余情悦其淑美兮，心振荡而不怡。无良媒以接欢兮，托微波而通辞。愿诚素之先达兮，解玉佩以要之。嗟佳人之信修，羌习礼而明诗。抗琼珶以和予兮，指潜渊而为期。执眷眷之款实兮，惧斯灵之我欺。感交甫之弃言兮，怅犹豫而狐疑。收和颜而静志兮，申礼防以自持。于是洛灵感焉，徙倚彷徨，神光离合，乍阴乍阳。竦轻躯以鹤立，若将飞而未翔。践椒涂之郁烈，步蘅薄而流芳。超长吟以永慕兮，声哀厉而弥长。尔乃众灵杂遢，命俦啸侣，或戏清流，或翔神渚，或采明珠，或拾翠羽。从南湘之二妃，携汉滨之游女。叹匏瓜之无匹兮，咏牵牛之独处。扬轻袿之猗靡兮，翳修袖以延佇。休迅飞凫，飘忽若神，陵波微步，罗袜生尘。动无常则，若危若安。进止难期，若往若还。转眄流精，光润玉颜。含辞未吐，气若幽兰。华容婀娜，令我忘餐。于是屏翳收风，川后静波。冯夷鸣鼓，女娲清歌。腾文鱼以警乘，鸣玉鸾以偕逝。六龙俨其齐首，载云车之容裔，鲸鲵踊而夹毂，水禽翔而为卫。于是越北沚。过南冈，纡素领，回清阳，动朱唇以徐言，陈交接之大纲。恨人神之道殊兮，怨盛年之莫当。抗罗袂以掩涕兮，泪流襟之浪浪。悼良会之永绝兮。哀一逝而异乡。无微情以效爱兮，献江南之明珰。虽潜处于太阳，长寄心于君王。忽不悟其所舍，怅神宵而蔽光。于是背下陵高，足往神留，遗情想像，顾望怀愁。冀灵体之复形，御轻舟而上溯。浮长川而忘返，思绵绵督。夜耿耿而不寐，沾繁霜而至曙。命仆夫而就驾，吾将归乎东路。揽騑辔以抗策，怅盘桓而不能去。 《女史箴图》顾恺之 长卷 绢本 设色 纵24.8厘米 横348.2厘米 （英）大英博物馆藏 此图系作者根据西晋张华《女史箴》一文而画的，是我国尚能见到的最早专业画家的作品之一。画面主要描写古代宫廷仕女的节仪行为，宣扬封建社会的女性道德。全图按题材划分，共12段，现存9段，均各有箴文。每段都相对独立，但又通过提款及人物服饰的处理等手法，使段与段之间有一种内在的联系，形成散而不乱、疏密得当的有机整体。图中人物神态宛然，所画仕女端庄娴静，符合封建箴文内容。线条匀细而流动，如“春蚕吐丝”，富有韵律之美，设色典丽秀润，全画呈现出“春云浮空、流水行地”式的运动感和飘逸气息。此画为宋代绘画摹本。1860年，英法联军入侵北京，英军大尉基勇从圆明园盗出携往国外。 顾恺之(约345～406)，东晋画家。字长康，小字虎头，晋陵无锡（今属江苏）人。工诗赋、书法，尤精绘画。时有“才绝、画绝、痴绝”之称。与曹不兴、陆探微、张僧繇合称“六朝四大画家”。精通画论，其“迁想妙得”、“以形写神”等论点，对我国传统绘画的发展影响很大。传世作品有《洛神赋图》、《女史箴图》等。 敦煌莫高窟壁画 举世瑰宝 北周、纵60cm、横50cm、壁画 敦煌290窟 昆瑟纽天 www.shwbbs.c 西魏大统年间、壁画 敦煌莫高窟285洞 《兰亭序》 王羲之 王羲之是东晋伟大书法家，他一变汉魏朴质书风，开晋后妍美劲健之体，创楷、行、草之典范，后世莫不宗法。他行书字帖《兰亭序》是他的的代表作，被书法界誉为“天下第一行书”，千百年来倾倒了无数习书者。王羲之亦因此被后人尊称为“书圣”。 王羲之《丧乱帖》 行草书 现藏日本皇室 帖文：羲之顿首：丧乱之极，先墓再离(遭遇)荼毒，追惟酷甚，号慕摧绝，痛贯心肝，痛当奈何奈何!虽即修复，未获奔驰，哀毒益深，奈何奈何!临纸感哽，不知何言!羲之顿首顿首。 《丧乱帖》行草书尺牍，纵28.7厘米，横63厘米，八行，五十九字。为唐摹勾填本，摹填精良。 《丧乱帖》是王羲之给友人的书信， 从《丧乱帖》中，我可以了解他当时书写的心情是“痛贯心肝，痛当奈何奈何”，“临纸感哽，不知何言”。书信反映了王羲之对北方故乡的祖坟被破坏的愤怒和悲伤。在“羲之顿首”之后，有丧乱之极四个字。意思是说，世间的动乱已经到了极点。在先墓之后，有涂毒两个字。 该帖为抒发作者悲痛之情的作品，故挥洒淋漓，流贯不羁，与《兰亭序》的流畅与浑然一体不同，写《兰亭集序》时的心情以轻松欢快为主，《丧乱帖》中字迹潦草，时有滞顿的痕迹，由此可以看到王羲之书写这副作品时的悲愤与郁闷之情。这让我们感悟到书法是心灵和性格的表现这一艺术法则。 ＜曹真碑＞三国魏 《中岳嵩高灵庙碑》为北魏著名碑刻之一。是由隶书向楷书过渡书体。康有为评此碑书为“体兼隶楷，笔互方圆。”由于它脱胎于魏晋隶书，所以隶书森严；又因为是尚未成熟的楷书，故结体自由，用笔无拘无束。此碑以其独特的风格，世人所重视。美术,书法,绘画,设计,收藏,拍卖,摄影,美术高考,篆2f&C6`#J6c D8l 爨（cuàn）宝子碑位于云南省曲靖市第一中学。 爨宝子碑在清乾隆四十三年（1778年）出土于曲靖扬旗田村，咸丰二年（1852年）移至曲靖城内武候祠，1937年移到曲靖第一中学。 爨宝子碑俗称“小爨”碑，立于东晋大亨四年（404年），碑身长方形，通高1.83米，宽0.68米，厚0.21米。碑首半圆形，碑额题“晋故振威将军建宁太守爨府君之墓”，5行15字。碑文400字，13行，每行7～30字。碑尾有题名13行，每行4字，均为正书。除最后一字缺损外，其余都清晰可辨。碑的主要内容是叙述爨宝子的生平、家世及其政绩，爨宝子是衅部族首领，世袭建宁郡太守。爨氏是汉末至唐代中期著名的“南中大姓”之一。建宁（今曲靖地区）、晋宁（今滇池地区）两郡，是爨氏管辖的中心地区。碑末的职官题名，记载了当时建宁太守的属官名称，具有较高的史料价值。碑的左下方刻有清咸丰二年（1852年）七月南宁府邓尔恒题跋，记载了此碑的出土和流传情况。 碑文字体雄劲古朴，用笔方折，反映了汉字由隶书向楷书过渡的迹象，是研究中国书体演变的重要实物例证。书法史上常将此碑称为“小爨”，与南朝爨龙颜碑并称为“二爨”。 梁武帝萧衍修陵石兽 敦煌莫高窟雕像 中国从三国鼎峙开始至隋王朝建国为止，处于长期分裂混乱之中，战争频繁，民生疾苦，历时369年，此间的绘画在整个中国绘画发展历程中却占有特殊重要的地位。 在中国绘画史上，有可靠记载的知名画家相继出现，是从三国两晋时开始的。三国时吴国的曹不兴，以善画著称当时，与皇象的善书同列为吴国八绝之一。西晋时有着划时代意义的画家是卫协，其次则有张墨、荀勖。卫协与张墨当时曾被葛洪并推为“画圣”。至东晋，出现了更为重要的画家顾恺之。顾恺之对中国绘画的发展有着极其深远的影响，他在道释画、故实画、肖像画等方面均有高度造诣，同时他也是中国最早的绘画理论批评家。戴逵的佛像画与他的佛像雕塑同样有名，在创造佛像样式上作出过重要贡献。 南北朝时，南朝刘宋一代的画家成就最高的是陆探微，画人物创造出秀骨清像的典范，对当时与后世的影响极大，可与顾恺之媲美，因此后世经常将“顾陆”相提并论。陆探微之子陆绥，也被当时称为画圣。中国最早的山水画家宗炳、王微，也并时出现在刘宋一代。此外，顾骏之始画蝉雀，顾景秀、刘胤祖也以善画蝉雀著称；吴暕、张则在当时也颇有画名。南齐一代的著名画家，有善画妇人的刘瑱，善画马的毛惠远，善画鬼神的姚昙度，善画人马的蘧道愍，以及人物画家谢赫，以善肖像画及时妆仕女擅名于时。梁代成就最高的画家是张僧繇，他以“善图寺壁”著称，他的具有独创性的绘画风格技法给予了唐代阎立本、吴道子以极大影响。北齐时有被当时人们号为画圣的杨子华，还有以善画“曹家样”佛像（梵像）著称的曹仲达。北周时有以善画柴车野服著称的田僧亮和以善画塞北风土著称的冯提伽。其他如郑法士、展子虔等皆是由北周入隋的画家，起到承上启下的作用。 三国两晋南北朝苦难的时代给佛教提供了传播和发展的土壤，佛教美术勃然兴盛，遍及南北。在汉代绘画发展的基础上，这一时期人们对绘画特点和功能有了进一步认识，绘画史和绘画理论著作开始出现。汉代流行的经史故事等题材的绘画虽仍占一定比重，但反映士族名士的生活及人物形象的作品却迅速增多，以文学为题材的绘画创作也日趋活跃。山水画和花鸟画开始萌芽。此期绘画在塑造人物形象上追求精神状态的刻画及气质的表现，体现了这一时期绘画的水平。 这一时期有关绘画的理论及史料著作相继出现，并不断有所发展。东晋时顾恺之有《论画》、《魏晋胜流画赞》、《画云台山记》3篇著作。南朝刘宋时宗炳《画山水序》及王微《叙画》是中国也是世界上最古的关于山水画的美学专著。齐梁时谢赫《画品》是一部以品评古今画家画艺优劣的专著，可是此书的意义却远远超出它对具体画家所一一作出的品评，实际上它是一部概括了中国古代绘画的艺术性准则的重要著作。谢赫的六法论对后世中国绘画的理论与创作产生着不可磨灭的深远影响。梁隋间姚最有《续画品》，是追随谢赫之后，对画家画艺进行品评的又一部专著。 总的来说，汉代以前的绘画，笔墨赋彩比较简略，构图也比较简单，直到西晋才开始初步成熟。东晋以后出现了顾恺之、戴逵、陆探微、张僧繇、杨子华、曹仲达等大家，此时的人物画和走兽画已达到成熟阶段，而山水、花卉、鸟禽之类则远未成熟，有待发展。山水还只是作为人物故事画的衬景，描绘方法尚存“人大于山，水不容泛”的特点。画山则“群峰之势若钿饰犀”，画树石则“伸臂布指”。这一时期的绘画还有一个特点，就是说两汉以前的作品大都是为政教服务的，而自东晋南朝以来，虽然宣扬政教的作品偶然有之，但主流是与文艺佳篇相配合的故事画或以现实为题材的风格画之类。另外，除佛画多作于庙壁上外，已开始有卷轴画的出现，因而使收藏欣赏成为现实