美术作品评论

Ⅰ 西方美术作品评论

列举两张作品：
1、达芬奇《最后的晚餐》
《最后的晚餐》是意大利画家达·芬奇于1495－1497年费时三年为一所修道院的餐厅所作的壁画。这幅画着重刻划耶稣的门徒在听到主说“你们中间有一个人要卖我了”的时候所表露出来的不同的心理反应。
先看基督左边的一组三个人：腓力按耐不住地跳起来，带着不可捉摸的疑问转向基督，想弄清这到底是怎么回事，他用手捂着胸口，欲表白自己的真诚的纯洁。老雅各极度愤慨，摊开双手，身子因失去重心而稍后仰，好象在表示：这简直不可思议。在他们后面站着的是多马，他尽量按下性子，向基督举着食指向上，说这怎么可能呢？在基督右边的一组三个人中，有一个是犹大，他心虚地急忙扭动身子，惊恐地想远离夫子，并且慌忙地握紧告密所换来的钱袋，战粟而害怕地斜视着基督。约翰忧柔地把头垂在一边搭拢双手，神志焦虑，不知怎么办是好，在听彼得细言。彼得勃然大怒地站起来，弯身前倾向着约翰，左手搭在他的肩头，紧贴耳边，似乎在问：你知道是谁吗？他的右手还紧握着一把刀，好象在显示：要是我知道是谁，一定要杀死他。最右边一组三个人中，靠近彼得的是巴多罗买，他张开双手，显得震惊而又沉着，似乎是要大家不要惊慌，他自己严肃而冷静地凝视着基督，想拯救夫子。搂着巴多罗买的是小雅各，他紧张地望着基督无能为力。站在最顶端的是强壮的安得烈，他探身向前，颇有冲上前去之势。最左边一组中，马太双手伸向基督，脸却转向左边的达太，好象在询问有经验的老人，刚才夫子所讲的到底是指谁呢？达太摊开双手，表示自己也正在纳闷。西门也正在苦苦思索，但是毫无结果。
这幅画的构图并不复杂，基本上是在一直线上穿插变化的，但单纯中见丰富。画家把十三个人物有机地组合在一起，既有区别又有紧密联系，既突出了基督的主要形象，又层次分明地刻划出每一个人的外貌和性格特征。画家把耶稣安排在既是画面中心，又是视觉中心的位置，用背景中大门的透光，更加清楚地衬托出耶稣的形象，餐桌、墙壁门窗和天花板的处理取平行透视，都集中地消失在基督的形象上，这一切很自然地把观众的视线首先吸引到基督身上。并且有意识地把两侧的门徒和耶稣分开，初看耶稣似乎很孤立，实际上内在情绪和感情以及整个事件都把他们紧密联系在一起。十二个门徒三人一组平均分配在两边，以其各自的动作和表情与基督发生联系和呼应，整个环境和道具的处理比较简单，为的是更加突出激动的人物，再通过这些人物的动作和表情将整个画面的中心引向基督。
画家在创作这幅画时极为慎重，有时站在画前沉思徘徊半天不能落笔。修道院的院长十分恼火，指责他是有意怠工，拖延时间。画家正愁找不到犹大头像的模特儿，觉得这个令人讨厌、粗暴无知的院长的头正合适，便用了它作为犹大的形象。我们在画中所看见的犹大，阴沉而丑陋，又显得特别粗鲁，与旁边的约翰和彼得形成鲜明的对比，令人望而生厌。
《最后的晚餐》达.芬奇 油画 1495-1498 420X910厘米,现藏米兰圣玛利亚德尔格契修道院.
达.芬奇毕生创作中最负盛名之作。在众多同类题材的绘画作品里,此画被公认为空前之作,尤其以构思巧妙,布局卓越,细部写实和严格的体面关系而引人入胜。构图时,他将画面展现于饭厅一端的整块墙面,厅堂的透视构图与饭厅建筑结构相联结,使观者有身临其境之感。画面中的人物,其惊恐,愤怒,怀疑,剖白等神态,以及手势,眼神和行为,都刻划得精细入微,唯妙唯肖。这些典型性格的描绘与画题主旨密切配合,与构图的多样统一效果互为补充,使此画无可争议地成为世界美术宝库中最完美的典范杰作。
参考资料：http://www.blog.e.cn/user1/23929/archives/2005/200696.shtml

2、《蒙娜丽莎》
人们在凝视达·芬奇的不朽之作《蒙娜丽莎》时，常常会被画中人物的微笑所迷惑。乍一看去，人们会领略一份安谧的微笑；进一步观察，又会感到笑容消逝；再一看，笑容重现，继而又退去……

为什么这幅画会产生这样的神奇效果？在最近出版的美国《科学》杂志上，哈佛医学院的神经生物学家玛格丽特·利文斯通对此作出了解释。她认为，与其说蒙娜丽莎的神秘微笑与画家的绘画技巧有关，倒不如说它与眼睛的错位有关。

利文斯通认为，蒙娜丽莎微笑的时稳时现，其实是我们的眼睛运动的结果。按照利文斯通的分析，人眼通过两个不同的区域来观察世界。一个是中心区，被称为视网膜的中央小窝，它让人们看到颜色，认出印刷符号，辨别细节；另一个是外围区，它分布在中央小窝的周围，是人们区别黑白、捕捉运动、分辨阴影的区域。当人们观察别人时，常常注视对方的眼睛。在欣赏《蒙娜丽莎》这幅画时，人们首先注意的也是人物的眼睛。当观察者眼睛的中心区在蒙娜丽莎的眼睛上时，“外围区”视线会落在她的嘴上。由于外围视区不注重细节，因此它会很快地注意到蒙娜丽莎颧骨的阴影，这些阴影又恰恰使人们意识到笑容的存在。但是，当直接观察蒙娜丽莎的嘴时，人眼的中心区又不会注意到阴影，所以“人们永远无法从她的嘴上看到笑意”。由此，利文斯通得出结论：蒙娜丽莎的笑容时现时隐，完全是因为观察者的视线在其脸上游动产生的效果。 美国一名著名神经专家哈佛大学的学者玛格利特.利文斯顿日前对称为世界之迷的“蒙娜丽莎的微笑”提出了自己的见解和理论依据。她认为这一笑容可能是一种光学错觉，如果直接看蒙娜丽莎的嘴唇，那么笑容是看不到的。利文斯顿解释人的视觉系统有两个观察区，一个负责辨色和观察亮点称为中央区，一个负责黑白色并观察阴影和运动称为外部区。为证明她的理论，科学家做了一个实验，她扫描了一张照片，去除阴影，从中央区观察，就看不到笑容，加上阴影，从外部区就可以观察到笑容。但是蒙娜丽莎的笑容仍然是个迷，有些人认为是一种面部瘫痪的症状，有的归咎于怀孕的快感。
http://www.artsbird.com/newweb/artsnews.php?db=2&thisid=2138

新网北京5月20日消息：英国《独立报》十九日报道：五百年来，达芬奇的蒙娜丽莎肖像画令无数艺术爱好者着迷，但也令学者困惑不解。最近，美国一名科学家声称发现了蒙娜丽莎微笑背后的秘密。

达芬奇绘画“蒙娜丽莎”的嘴巴时，运用了模糊轮廓的手法，这种手法在意大利原文的字面意思为“像烟般蒸发”。

美国哈佛大学一名神经生物学家利文斯通认为，这不只是单纯的模糊手法，达芬奇绘画时还试图“欺骗”人类的视觉，令欣赏者要从侧面观看，才能清楚看到“蒙娜丽莎”的笑容。

利文斯通在其新书《视觉和艺术：观赏的生物学》中提出这个理论。她在书中称：以模糊手法绘画的微笑，在周边视觉下较为明显，所以当你集中望向她的嘴巴时，笑容便会消失，就像我们观看暗淡的星星时，直接望上去星星便会消失。

但有学者批评，声称解开了“蒙娜丽莎”背后秘密的科学家，都只是为了吸引传媒。贝尔实验室的莉莲·施瓦茨有一天忽发奇想，在电脑上将《蒙娜丽莎》与达·芬奇的自画像相重叠，发现二者的眼睛、发际线与鼻子等轮廓竟然能够完全重合。施瓦茨最终得出结论，《蒙娜丽莎》就是达·芬奇的自画像。至于达·芬奇为什么要把自己画进一个永恒的女性形象，一种解释是因为他要用这种方式隐晦地挑战以基督教为代表的西方男性霸权话语。蒙娜丽莎是一个雌雄合体，这是达·芬奇心目中人性最理想的结合方式，男人和女人平等地融合在一起。从字源上来看，古埃及的生殖男神叫Amon，生殖女神叫Lisa，稍微玩一点变体的游戏，合在一起的话，就变成了 Mona Lisa。

佐贡多夫人说

在关于蒙娜丽莎原型的讨论中，拥趸最多的一种说法认为其原型是佛罗伦萨富商佐贡多的妻子。

按照这种说法，达·芬奇应弗朗西斯科·德·佐贡多的请求，用4年的时间为这位名叫丽莎·迪·格拉尔弟尼的贵妇绘制了这幅画像。格拉尔弟尼生于1479年，在达·芬奇绘制这幅画时，她刚刚24岁，传言中她还是一位名叫莫迪西的绅士的情妇。

斯福尔扎说

据《泰晤士报》报道，德国艺术史学家泽斯特在研究多年之后宣称，《蒙娜丽莎》的原型其实就是意大利的传奇女子斯福尔扎。

斯福尔扎在成为克雷迪的模特时刚刚25岁，她是米兰公爵的私生女，在文艺复兴时期的意大利极富传奇色彩，有“悍妇”之称。1462年，15岁的她嫁给了教皇西克思图斯四世的侄儿，聘礼是弗利和伊莫拉两座城市。她的第一任丈夫、情人与第二任丈夫先后被杀。1500年，斯福尔扎的家族在与博尔吉亚家族的争斗中失败，在城破后被囚禁一年。被释放8年后，斯福尔扎去世，享年46岁。

妓女说

那不勒斯的卡罗·维斯教授认为，画中的蒙娜丽莎不是良家女子，而是那不勒斯的一名高级妓女，达·芬奇捕捉到了一名职业诱惑者的微笑。或许这种说法有其可信之处，因为达·芬奇在佛罗伦萨期间的确是各种风月场合的常客。

《蒙娜丽莎》微笑之谜

500年来，人们一直对《蒙娜丽莎》神秘的微笑莫衷一是。不同的观者或在不同的时间去看，感受似乎都不同。有时觉得她笑得舒畅温柔，有时又显得严肃，有时像是略含哀伤，有时甚至显出讥嘲和揶揄。在一幅画中，光线的变化不能像在雕塑中产生那样大的差别。但在蒙娜丽莎的脸上，微暗的阴影时隐时现，为她的双眼与唇部披上了一层面纱。而人的笑容主要表现在眼角和嘴角上，达·芬奇却偏把这些部位画得若隐若现，没有明确的界线，因此才会有这令人捉摸不定的“神秘的微笑”。

哈佛大学神经科专家利文斯通博士说，蒙娜丽莎的微笑时隐时现，是与人体视觉系统有关，而不是因为画中人表情神秘莫测。利文斯通博士是视觉神经活动方面的权威，主要研究眼睛与大脑对不同对比和光暗的反应。利文斯通说：“笑容忽隐忽现，是由于观看者改变了眼睛位置。”她表示，人类的眼睛内有两个不同部分接收影像。中央部分(即视网膜上的浅窝)负责分辨颜色、细致印记。环绕浅窝的外围部分则留意黑白、动作和阴影。据利文斯通说，当人们看着一张脸时，眼睛多数集中注视对方的双眼。假如人们的中央视觉放在蒙娜丽莎的双眼，较不准确的外围视觉便会落在她的嘴巴上。由于外围视觉并不注重细微之处，无形中突出了颧骨部位的阴影。如此一来，笑容的弧度便显得更加大了。不过，当眼睛直视蒙娜丽莎的嘴巴，中央视觉便不会看到阴影。利文斯通说：“如果看着她的嘴巴，便永远无法捕捉她的笑容。”蒙娜丽莎的笑容若隐若现，源于人们的目光不断转移。利文斯通指出，若要临摹《蒙娜丽莎》，描绘口部时便要望着别处。

1993年，加拿大美术史家苏珊·吉鲁公布了一项令人震惊的研究成果。她说蒙娜丽莎那倾倒无数观赏者的口唇，是一个男子裸露的脊背。这一论断既新鲜又荒诞，然而论证是有力的。集画家、雕刻家、建筑师、工程师及科学家等多种才艺于一身的达·芬奇，可谓是个“怪杰”。他喜欢穿粉红色外套，在胡须上毫无顾忌地涂上五颜六色，还常称自己解剖过不下30具死尸。他还是个左撇子，习惯从右到左倒着书写，别人要借助镜子才能读出他写的东西。因此借助镜子亦不失为欣赏者读画的一种方法。旋转90度后从镜中看蒙娜丽莎抿着的笑唇，恰好是一个背部线条分明的结实男性脊背以及左臂和肘部的一角；再说，表现人体美和呼唤人性的觉醒，既是大师的人生哲学，又是他的艺术观。

确实，在不同角度不同光线下欣赏这幅画，人们都会得到不同的感受。那微笑时而温文尔雅，时而安详严肃，时而略带哀伤，时而又有几分讽嘲与揶揄，神秘莫测的微笑显露出人物神秘莫测的心灵活动。

几百年来，“微笑”的新解层出不穷。诸如微笑不露皓齿是因原型虽典雅美丽却口齿不齐；原型因爱女夭折，忧郁寡欢，难掩凄楚之态；更有甚者，把蒙娜丽莎从贵妇宝座上推落下来，把原型贬为妓女，故而微笑中带着讥嘲和揶揄。

美国马里兰州的约瑟夫·鲍考夫斯基博士认为：“蒙娜丽莎压根就没笑。她的面部表情很典型地说明她想掩饰自己没长门牙。”

法国里昂的脑外科专家让·雅克·孔代特博士认为蒙娜丽莎刚得过一场中风，请看，她半个脸的肌肉是松弛的，脸歪着所以才显得微笑。

英国医生肯尼思·基友博士相信蒙娜丽莎怀孕了。他的根据是：她的脸上流露出满意的表情，皮肤鲜嫩，双手交叉着放在腹部。性学专家推测：蒙娜丽莎刚刚经历了性高潮，所以才表现出令世人倾倒的微笑。

还有一种近乎无稽之谈的说法：她的表情就像吃了苯氨基亚胺似的，显得很陶醉，这是吃完巧克力后人体内产生的一种欢愉激素。这种说法很少有人相信，因为当时还没有巧克力呢。

《蒙娜丽莎》真伪之谜

按照以往的说法，达·芬奇的《蒙娜丽莎》收藏于巴黎的卢浮宫。但在收藏界却有一种说法称，挂在卢浮宫的不是《蒙娜丽莎》，真正的《蒙娜丽莎》是在伦敦一所公寓的墙上。

这间寓所和这幅作品的保管者普利策博士说，《蒙娜丽莎》完成后，作品就留在了丽莎·德·佐贡多家。后来，又有一个贵族请达·芬奇为他的情妇画一幅肖像，这个被称为“拉乔康达”(意为“微笑的人儿”)的女子，和蒙娜丽莎长得很像。于是，一时懒惰的达·芬奇把《蒙娜丽莎》的脸部换成拉乔康达。画作完成后，那个贵族抛弃了拉乔康达，因而没有买下这幅画。后来达·芬奇应弗朗西斯一世的邀请去法国，带去了这幅画。普利策说，使卢浮宫增添光辉的是拉乔康达的肖像画。《蒙娜丽莎》后来流落到英格兰，本世纪初被一家博物馆馆长、艺术鉴赏家威廉·布莱克买下，后来又为瑞士一财团收购，普利策便是其中的成员。

本世纪初，曾经有许多人大规模地复制、伪造艺术名作，有理由怀疑伦敦的那幅是赝品。但是，普利策博士对他的这幅画的真实性深信不疑。他用显微摄影技术证实，伦敦这幅画上的指纹同达·芬奇其他作品上的指纹相同；根据记载，蒙娜丽莎比拉乔康多年轻19岁，被画时披着一条表示悼念的面纱，在两幅画中，只有伦敦那幅显示一个更显年轻的女人披着漂亮的面纱；另一个证据是，拉斐尔当年在达·芬奇作这幅画时曾经作过速写，速写中的蒙娜丽莎背后有两根圆柱，这两根圆柱出现在伦敦的肖像画里，而卢浮宫那幅的背景是山崖、小径、石桥、树丛与潺潺的流水。

几百年以来，不少收藏家各自声称他们藏有真正的《蒙娜丽莎》，数量竟达60幅之多。更有趣的是，美国缅因州伯特兰美术馆在1984年收到一幅《不微笑的蒙娜丽莎》，经测定，此画确实是当年达·芬奇的手笔，画中的人物除了不微笑以外，其余都酷似蒙娜丽莎本人。专家由此推测，这幅《不微笑的蒙娜丽莎》可能是作者同时画的一幅底稿。

还有一种说法认为目前卢浮宫内收藏的《蒙娜丽莎》是一幅赝品，其依据在于1911年发生的那起盗窃案。在那起盗窃案中，《蒙娜丽莎》失窃。两年后，它出现在意大利，但是画面上蒙娜丽莎身后两旁的廊柱已经被切掉了。几年后，《蒙娜丽莎》被归还卢浮宫。但许多专家都认为，这次失而复得只是一场烟幕，真正的《蒙娜丽莎》已经被一位富有的收藏家重金收购，挂在卢浮宫内的只是一件赝品而已。

《蒙娜丽莎》背景之谜

加利福尼亚大学教授卡罗·佩德雷蒂认为，蒙娜丽莎身后的背景是意大利中部阿雷佐市布里阿诺桥附近的景色。佩德雷蒂的证据是，达·芬奇出生在距阿雷佐约 100公里的芬奇镇，并曾经在阿雷佐生活过，这一地区的原始景观与《蒙娜丽莎》的背景几乎完全一样，因此，达·芬奇很有可能采用这一地区的田园景色作为《蒙娜丽莎》的背景。当佩德雷蒂的这一观点在达·芬奇绘画国际研讨会上宣布后，许多美术史专家都对他的研究结果表示肯定。

Ⅱ 形容美术作品的词语

1.水墨画：

悠远 、清新复 、脱俗、 江南制烟雨 、云雾缭绕、 时现谜影、 动感水墨 、构图巧妙

2.油画：

色彩丰富、 色调幽暗、 色调柔和 、对比强烈、 肌理感十足、 节奏明快 、古典韵律

3.素描线描画：

线条流畅、 线条变化丰富、 运笔时快时慢 、明暗关系清晰 、塑造的形体优美、 空间层次分明 、三角形稳定构图 、线条刚柔相济

4.风景类动植物画：

大自然的奇妙之作、 形似 神似 惟妙惟肖 、栩栩如生、 活灵活现、 跃然纸上 、身临其境、 置身其中

5.形容艺术家：构思独特 匠心独运 很高的艺术造诣 观察入微 眼光独到 超群绝伦 具有艺术的灵魂

拓展资料

形容词：

形容词（Adjective），很多语言中均有的主要词类中的一种。形容词主要用来描写或修饰名词或代词，表示人或事物的性质、状态、特征或属性，常用作定语，也可作表语、补语或状语。

参考资料来源：网络-形容词

Ⅲ 如何艺术的评价学生的美术作品

第一，注重表现性评价。高品质的美术课程为学生提供开展独立试验和探索的时间，学习评价中就应将学习过程与学习成果并重，特别提倡以建立美术学习档案袋的方式开展评价活动；优质美术教学提供更多机会，引导学生作出明智的选择和审美判断，学习评价中就应较少强调掌握一些技术或技能，更多强调审美品位，并对创造性活动中必须承担的风险给予更多的重视。

第二，提倡分层评价。在每一个班级中，学生的美术学习能力与水平也不尽相同，可以参照欧美国家在美术学习评价上的经验，制定“一般水平”和“熟练水平”等分层评价标准，促使每一名学生都能在自己原有基础上对美术学习上的进步与成就进行评价。

第三，探索对创意进行评价的标准与方法。对学生美术学习进行评价的指标一般分为这样几方面：学习积极性、表现能力、造型美感、创意（想象力、构想力、创造力）、鉴赏能力、发表和交流能力等。其中，创意是最难评价的部分，我们可以从三个方面来探索对创意进行评价的标准：

一是题材和主题，是不是具有内涵，是否有现实启发性；

二是方法，选用什么样的方法来展示题材和主题，展示的充分性和可能性有多少；

三是技术，在传统技法或新媒体技术的使用上有哪些拓展。而采用美术学习档案袋的展示与口头发表相结合的方法，无疑是对创意进行评价的有效方法之一。

Ⅳ 世界美术作品赏析

一、莫奈《印象·日出》。

这幅名画是莫奈于1872年在勒阿弗尔港口画的一幅写生画。他在同一地点还画了一张《日落》， 在送往首届印象派画展时， 两幅画都没有标题。一名新闻记者讽刺莫奈的画是“对美与真实的否定， 只能给人一种印象”。莫奈于是就给这幅画起了个题目——《日出·印象》。它作为一幅海景写生画， 整个画面笼罩在稀薄的灰色调中， 笔触画得非常随意、零乱， 展示了一种雾气交融的景象。

日出时， 海上雾气迷朦， 水中反射着天空和太阳的颜色。岸上景色隐隐约约， 模模糊糊看不清， 给人一种瞬间的感受。当时有个批评家，在文章中借用莫奈《印象。日出》一画的标题，讥讽这个画展的画家是“印象派”。“印象派”最基本的一个特点，是由于他们吸收了当时一些科学家对于色彩的研究成果，通过自己的写生实践，发现了过去长期不被人们注意的一些色彩现象，从而在绘画的色彩上引起了一个重大革新。

Ⅳ 如何正确的评论别人的美术作品

我也没学过多长时间，我都是首先从构图、色彩、明暗这几块看的，不过有些印象派的野兽派什么的咱也没学过，都是凭感觉评价的。

Ⅵ 幼儿园小朋友的绘画作品从哪些角度评价

幼儿园的活动，既然要发挥其教育功效，就不能缺少了评价这个环节。幼儿绘画活动的评价活动是幼儿园绘画活动的最后一个环节，与幼儿园其它任何一种教育教学活动的评价相比较，其应用的程度最高，受到的重视程度却较低。而在绘画活动中，老师对作品的评价态度往往直接影响着孩子对活动的兴趣，影响孩子的自尊心与自信心，因此作为老师，我们要重视对幼儿作品的评价，培养幼儿的绘画兴趣，提高幼儿绘画的表现力及审美能力。 关键词：评价观 评价体系 发展性评价 多元评价 教育评价：《纲要》将幼儿园教育评价的功能界定为：“是了解教育的适宜性、有效性，调整和改进工作，促进没一个幼儿发展，提高教育质量的必要手段。” 发展性评价： 发展性评价是以人为本,以孩子的最终发展为目标的评价方式.这种评价方式是当今世界课程与教学改革评价的最新发展的先进成果,也是今后课程与教学评价的主要发展方向,具有前瞻性与实用性,对于幼儿园的课程改革与评价改革颇有成效且意义深远。 涂鸦是孩子的天性，当还不太懂事的孩子抓着蜡笔在纸上随意地涂鸦的时候，我们看到的是孩子满脸灿烂的笑容，我们看到的是孩子为五彩缤纷的色彩而感动的神情，这一刻，我们相信孩子爱上了涂鸦。而在幼儿园里，我们看到的是有的孩子，渐渐不爱动手画画了，而有的画的总是那么些，也许原因有很多，但作为我们幼儿园老师应该反省一下，是什么抹杀了孩子的天性？ 我们发现在绘画活动中，老师对作品的评价态度往往直接影响着孩子对活动的兴趣，影响孩子的自尊心与自信心，因此作为老师，我们要重视对幼儿作品的评价，培养幼儿的绘画兴趣，提高幼儿绘画的表现力及审美能力。 一、确立正确的评价观，培养和提高幼儿绘画兴趣 教师要明确评价的目的不是为了淘汰，所以在绘画活动中我们不能以哪个幼儿画的好，或哪个幼儿画的不好为标准来评价幼儿的作品，评价的根本目的是促进幼儿的发展，所以发展性评价这种以人为本,以孩子的最终发展为目标的评价方式有助于促进幼儿富有个性的发展。他能依据幼儿的不同背景和个性特点，准确地判断每个幼儿的不同特点及其发展潜力，为每一个幼儿提出适合其发展的具体的有针对性的建议。 如果没有正确的评价观，就有可能对幼儿产生消极影响。孩子有时候是特别敏感的，一次在绘画评价活动中，我无意中说了文泾的画画的不太好看，颜色图的有些乱，当时孩子也没有特别的表现。可是在接下来的一次绘画活动中，当小朋友们都专注于自己的绘画时，我却看到文泾拿着笔愣在哪里，我问他怎么了，他说老师我不会画，这时候我明白，孩子不是不会画，他是不敢画，他害怕自己的画达不到老师的要求，怕老师说他的画画的不好看。于是我意识到评价的重要性。又有一次，在《宇宙人游山洞》的美术活动中，佳俊很认真地在山洞里画了很多宇宙人，在评价活动中佳俊向同伴们介绍宇宙人在排着队过山洞，他们要走出山洞回家去，虽然那些宇宙人画的有些歪扭扭的，但是今天我看到了孩子的进步，本来孩子绘画的时候特别缺乏耐心，总是草草了事，可今天孩子很认真很耐心地完成了作品。于是我在集体面前表扬了他，并把他的作品展示出来了，我发现下课的时候佳俊会去展示区看看自己的作品，还会向同伴介绍，慢慢地孩子喜欢上了绘画，每次绘画活动都很认真，每当我们帮他指出一些不足之处时，孩子也会耐心的听了，孩子的绘画的兴致越来越高了，他的作品也越来越多地赢得小朋友的喜欢了。 这些让我清楚的明白了评价对孩子的影响，更清楚了确立正确的评价观的重要性。作为老师不能以片面的眼光来评价孩子的绘画作品，用画的好或不好来评价，是对孩子的不负责任，也许只会造成部分幼儿只能听表扬，不能听批评，认识不到自己的缺点和不足，盲目乐观。因此教师要用发展和全面的眼光看待孩子，逐步培养其正确认识自己，提高反省能力，不因存在某些不足而怀疑自我价值。这样，即使教师指出幼儿的不足甚至提出批评，幼儿所感受到的也仍然是教师对自己的关注和期望，并会由此产生进步的动力。 二、建立多元的评价体系，促进幼儿多元发展 1、尊重幼儿的个别差异性，让每个幼儿获得富有个性特色的发展。 在幼儿园里，老师和孩子是形影不离的，所以相对中小学来说，幼儿园老师和孩子的距离更近些，老师对孩子的各方面了解也更深些。在评价中，不仅要突出“为了孩子的一切”，还要突出“为了一切的孩子”，努力做到不让一个孩子掉队，提高不同个性孩子的学习兴趣、学习能力与学习水平，从而达到促进全体孩子共同进步的目的。 例如：在《森林里的动物园》这一绘画活动中，我们对于那些爱绘画，绘画线条有力、连贯，图形、形象清晰完整的孩子来说，在评价中我们应本着“高起点、严要求”的原则，为他们的进一步成长留有足够的发展空间。在观察他们画面是否完整，小动物们形象是否清晰的基础上，我们还要考虑画面是否具有孩子自己的想象，是否符合孩子的年龄特点富有童趣，我们鼓励他们发挥想象里，让画面里的动物活起来，给动物们提供一个活起来的背景或舞台。对对那些喜欢绘画，但绘画线条不流畅、形象不完整的幼儿来说，应本着“低起点、小步子、多活动、快反馈”的评价宗旨，我们更关注的是动物形象是否清晰，孩子有没有抓住动物的特征，我们鼓励他们在活动结束后进入美工区多加练习。对于那些不爱绘画，绘画习惯不好的幼儿来说，应从逐步培养喜爱绘画的情感入手，加强有针对性的个别辅导，教师还应当是一个细心的观察家，要敏锐地捕捉他们的点滴进步与闪光点，并及时予以奖励和表扬，使他们不断看到自己的进步，提高学习的自信心。 2、评价活动由静态评价变为动态评价，注重活动的过程性。 在以往的绘画评价活动中，我们往往偏重于作品结果的优劣，静态的对孩子的绘画作品实体作出评价。新纲要理念指出我们的评价要关注孩子的学习过程，应动态的对幼儿的整个绘画过程作出评价。所以在美术活动中，我们要关注孩子在活动中的兴趣性、主动性、持久性、绘画习惯等。如观察孩子是否主动参与美术活动，对美术活动倾注极大的热情，完全沉浸其中，还是对美术活动迟疑不前，活动中企图停止或张望别人做什么等；观察幼儿对美术作品的注意集中与持久程度；观察其作品是自己决定完成的，还是模仿他人完成的。 如：我们班的小妹妹（邹琦玥），一开始每次绘画活动时都不肯动笔，软硬兼施都无济于事，后来，我观察到绘画活动时她虽然自己不画，但是她会对边上的小朋友指手画脚“你画的不对”、“不是这样画的”、“哎，你画的太难看了”，通过这些行为，我猜测可能小妹妹其实她并非真的不想画画，也许是她对自己缺乏信心，她怕自己画的不好，所以不敢画，于是绘画活动时，我就轻轻的对她说“琦玥是不是怕自己画的不好？”她点点头，于是我就继续鼓励“没关系的，老师小时候一开始也画得不好，多花几次就能画得漂亮了，但是如果不练习的话就一直画不好的哦！”在不断的鼓励下，琦玥终于第一次自己动笔画画了，在活动评价时我把琦玥的进步告诉了大家，并在集体面前给予了肯定，琦玥腼腆的笑了，接着在以后的绘画活动中，她开始能独立完成作品了。可见绘画活动中的评价要注重活动的过程性，变静态为动态。 3、增强幼儿与评价活动的互动性 在绘画活动中，我们往往在无意中就会以教师自己的意愿为主，自己决定作品的好坏优劣。教师要扮演的是：“裁判者”的角色，虽然也有个别幼儿参与评价，教师总结，但由于教师平时缺乏对幼儿该方面的引导和培养，幼儿缺少该方面的能力，这一切形同虚设。所以

Ⅶ 美术作品评价

油画《星空》（又译《星光灿烂》）是在他神智清醒的时候画成的。与《阿尔女郎》相比， 画风已大为改观。这倒不是凡·高又有什么新的理论，仍是出于茫然的不安和对自身悲剧的预感。夜晚，他看到夜空有一个奇特的月亮、星星和幻想的彗星。这些星星和幻想的彗星是黄色的旋涡，在天空中旋转着。它们变成为一束反复游荡的光的扩散，带动整个深蓝色的天。凡·高面对这一自然奥秘，不禁感到战战兢兢。他怀着绝望的恐怖，画下了这幕完全出于他个人幻觉的夜景。这种画风不仅仅在风景画上，连凡·高于同年6月画的一幅《加歇医生肖像》上，也表现出来。《星空》是凡··高神智清醒时幻觉心境的产物。
1889年11月，凡·高在给他的弟弟提奥的信中写道，他要严格遵循现实，遵循所见的事物，也不再向往如高更和贝尔纳的画上那种幻想。为了使他弟弟相信他这番话，他以自己描绘的那些橄榄树和柏树为例，作为正在精心研究自然的实例。本画作了1889年6月于圣雷米，有74×92厘米大，现藏纽约现代艺术博物馆。

Ⅷ 结合具体作品，谈谈对一幅美术作品你应该怎么赏析

1872年克洛德.莫乃的这幅名为《日出印象》的油画首次展出，这幅画描绘了法国勒阿佛尔港口黎明时分的情景，港口作业区的大致轮廓--起重机、吐着烟的烟囱、建筑--透过浓密的晨雾和满画面的匪夷所思的破碎笔触，观者所能辨出的就是这些。

这幅画儿当时在大多数人眼中简直是一团糟。批评家们更是大为恼怒，他们将这幅画的作者莫乃以及与之画风相近的画家的称为“印象主义”。指责莫乃画风太幼稚，其画作不过是小儿涂鸦而已，与勒阿佛尔港日出时的情景何尝有半点相似。

几年后艺术评论来了个180度转变，好象莫乃好得不能再好了，仿佛印象派画家不仅长与用笔而且捕捉视觉真实的技巧已臻化境，令当代画家相形见拙。

为何莫乃笔下的勒阿佛尔港先被说成一团糟，后来又被称为对港区日出情景了不起的再现？
我们该如何理解此种戏剧化的转变。

莫乃背弃了关于勒阿佛尔港传统的种种表达方法，而更趋向于表现真实的自我感受，传达出自己对日出的鲜活印象，将常识之类搁置一边，竭力捕捉最初朦胧印象，并将其凝固在画布上。
他试着画出的是我们打量世界时实际看到的一切，而不是我们料想我们会看到的东西。

因此开始的时候人们自然会抗拒，勒阿佛尔港的日出怎么是这样的呢？可是随着时间的推移，经过观察，人们发现，当船衬着城市的背景出现时，在特定的光线下从特定的角度看去，船似乎真的是在城里行驶，有时海天会浑然一色，我们实难分辨何为大海，何为天空。

每件成功的艺术品不可或缺的东西究竟为何，那就是--一种能令我们重新发现现实中遭歪曲、忽略的一面的能力。

Ⅸ 怎样给学生的绘画作品写指导性评语！

在美术活动中，对学生作品的评价是不可缺少的一环节，因为老师适当的评价能有效激发学生的绘画兴趣和积极性，使学生感受到自己的进步，体验到成功的快乐。

我认为在评价学生作品时应做到以下几点：
一是遵循发展规律。
学生绘画有其一定的发展过程，从涂鸦——再现——创造，随着年龄的增长，思维面逐渐扩散，不同时期有不同的特点，评价学生的作品应有不同的方式，教师如果采用不得当，可能会使学生绘画兴趣从此被淹没，影响了今后的正常发展。
二是尊重个体差异。
一个班的孩子，其绘画水平不是一条线，个体差异在任何教育活动中都存在，在绘画中也不例外，有的聪明灵活，有的思维较呆板，绘画作品也就千姿百态。我们要善于发现每个孩子的点滴进步，给予正确的评价，促进整体提高。
三是激励保护的原则。
学生由于年龄小，认识不完整，思维没有定势，因而在绘画中会组成许多非现实的形象和样式。一幅绘画作品，无论成败，教师都应站在保护创造心、自信心的基点上进行恰如其分的评价，既能鼓励学生的发展，又能增强他们对创作、对生活的信心。
另外，教师在辅导学生绘画时，绘画的工具、绘画材料也太过局限，没有充分利用现有资源。大自然赋于我们得天独厚的条件，河里的沙石、大树的叶子、山上的草秸、瓶盖、土豆片......都可以用来当作绘画的工具与材料。我们要善于利用各种有利条件，合理指导学生绘画，激发学生想象，鼓励他们大胆地表现，让他们在有趣的艺术活动中快乐成长。