伤痕美术

❶ "选一幅你最喜欢的（或对你影响最深的）美术作品（或一种美术风格，美术种类），教案形式，800字以上。谢

何多苓<春风已经苏醒>
何多苓 四川美术学院教授 中国美术家协会会员 国家一级美术师。
他是四川美术学院“伤痕美术”的代表人物，上世纪80年代初以《春风已苏醒》、《青春》等作品，奠定了其在中国当代油画史上的特殊地位。那一时期何多苓的作品是抒情的、神秘的、不可知的。与之相比，当下何多苓的作品更具个人化，在写实主义的自身语言模式中努力探求一种当代的可能性。画面神秘，耐人寻味，灰色的色彩微妙而复杂，灵动性的笔触准确的把握了造型，细微的层次感，灰色和彩色交织，无形中流露出淡淡的伤感。何多苓被誉为“当今中国画坛杰出的现实主义油画家”。

《春风已经苏醒》是何多苓的处女作，画面上，孤寂的少女，在春风沐浴下，似乎有所思悟，卧地的水牛和仰视的狗是她的友伴。这极其平凡的农村场景，在作者的笔下表达得充满诗意。正是大自然赐予的生命和春天的生机，把他（它）们紧紧地联系在一起。作者对所描绘的一切充满着感情：怜悯、同情和爱。作品受到当代美国现实主义画家安德鲁‧怀斯(Andrew Wyeth)画风的影响和启发。

《春风已经苏醒》以一种伤感的意象和抒情意味开启了中国乡土写实主义绘画的另一个途径——对人和人的生命、情感、人性的理解、认识以及描绘，这件作品打动了无数观众的心灵，从一个新的视角和美学意味开辟了中国油画的一个新领域。

《春风已经苏醒》一诞生旋即引起了轰动，被公认为伤痕美术的代表性作品之一。这是何多苓在当代艺术史上留下的第一个形象，何多苓也因此有机会成为塑造一个民族或集体形象的代言画家。
在中国美术馆的展厅中，何多苓的这幅《春风已经苏醒》旁边附注了何多苓的一段话：
“对于“春风已经苏醒”，人们有过种种解释，这并不重要。事实上，这幅曾流行一时的画仅仅是我艺术史上的一个出发点，重要的是(也许仅对于我自己)，在可能性与自由多得令人绝望的现代艺术中，我或许能找到一种新的秩序与限制，在具象和抽象之间寻求和解，赋予我根深蒂固的浪漫意识与对优雅的渴求以一个新的、站得住脚的物质框架。正如我所喜爱的史特拉汶斯基所说，“对艺术控制得越多、限制得越多、研究得越多，它就越自由。”对‘自由’的滥用正是当代艺术贬值的原因之一，而严格的自我限制是使一个真正的艺术家获得真正自由的唯一手段。
在我之后出现的一大批尽精雕细刻之能事的艺术家中，只有很少的人意识到“无限制”正是他们的作品令人厌恶的原因。一个初学者可以借助精确的照片复制出表面惊人的画面，但真正的现代视觉艺术品的高明之处一目了然，它能超越视觉，使人对司空见惯之物感到陌生与神秘。现实主义是烦琐不堪的，而超现实主义是廉价的罗列，波普艺术是业余的游戏。而在我看来，艺术就是宗教，在画框中必须建立起一座神殿，在古典与现代、现实与超现实中必然存在一种形式，能把经验寄身于纯粹视觉的目的，从而恢复绘画的尊严，这种尊严从本世纪以来已被可悲地践踏殆尽。当艺术堕落为某种宣泄与说教的何有可无的符号时，它就失去了存在的理由。正如诗歌是语言的纯洁化，绘画也必须是视觉的净化剂。仅仅在精神的意义上说，它应该是贵族化而不是平民化的，亦即必须是仰视的对象。”
这段话摘自何多苓的《我所热爱的艺术》

❷ 吴门四家 吴门书法三大家 南陈北崔 南北宗论 外销画 决澜社 北平艺专 美育 大鲁艺 伤痕美术 新潮美术

明四家（吴门四复家）：指中国画制史上沈周、文徵明、唐寅、仇英四位明代画家。“吴门四家”中沈周与文徵明，是吴门派文人画最突出的代表。他们都在江苏苏州从事绘画活动。因苏州古为吴地，故又称、沈、文、唐、仇为“吴门四家”。
明代中期的苏州，有三位才子，这就是大名鼎鼎的祝允明、文徵明和王宠。他们多才多艺，特别是在书法方面功力深厚，个性鲜明，风格独特，号称“吴门书法三大家”.

❸ 关于于廉的画

这个。。我来回答吧
伤痕美术
于廉只是小说中的人物名字，真实人物原型名叫：刘宇廉
参见http://cn.news.yahoo.com/050919/702/2f2ti.html

在网上 刘宇廉的画非常少，你可以搜索他的名字察看他的画

我只找到了如下几张画

连环画稿《张志新〉，http://www.022net.com/2005/8-24/18124119682.html
西去九色鹿http://www.shgj.org/web/1000/20050825/1000001851.htm

❹ 谈谈对伤痕美术的认识500字

20世纪70年代的文革后期出现的美术现象。从理想主义、英雄主义，转向悲情现实主义与平民主义；从表现英雄，塑造典型，转为对大时代里普通人命运现实的描绘。促进了审美意识的转变，冲破了艺术政治化虚假再现模式，将现代艺术语言和观念纳入其中。

❺ 前卫艺术是什么

前卫艺术是一种过分迷恋意义观念的艺术形态。她不拘泥于传统的架上绘画，综合利用各种方法，表达创造者的情感。谈到前卫艺术，常常会提到一个“美”字；一种道德与艺术的关系。首先，何谓“美”？可能，还需要推敲。

前卫艺术诞生于上世纪70年代末80年代初，在国际上产生了巨大影响。它提出了绘画要“重新回到创作的中心，回到构成创作的理由中”的理论。与至简主义和观念艺术的沉稳不同，超前卫在新的能量和激情中寻求与观众的直接接触，他们回到了艺术创作的“传统”媒介，素描和绘画再次成为他们创作的中心，提笔绘画的手重又成为艺术家与世界的中介，它赋予个人和情感想象以生命，这种想象得到新颖的装饰元素的充实。

前卫艺术在欧美已经有百余年历史，现在还来讨论她存在的合理性像探讨资本主义有没有必要存在一样。她有生命力延续到今天，必定有她受理解、支持的一面。可能，人们看来，前卫艺术是一种“超前”艺术，但那只是一种新事物研究、探索的过程。艺术的生命就在于不断的创新，面对艺术的创新，先不置于好坏，至少，那种探求和勇于参与的精神值得人们崇敬。塞尚是位伟大的画家，被后人称为“现代绘画之父”。可他在当时，他的表现主义绘画大多不被别人甚至最好的朋友所接受。这或许是一位艺术家的悲哀，但历史证明，世界上只有一个塞尚。是他，乃至以后的杜桑等创新者，预知了人们物质文明的不断变化后，对精神文明产生的更“先进”的要求，以一种“超前”的艺术如同提出“人人都是艺术家”的宣言，满足了又一个历史时期的需求。当然，艺术的氛围中允许种种看法并存，因为艺术家本身就是追求自由的，只有在自由中，一切灵感的到来才显得那么不经意。艺术是独立的，她没有固定的本本和格式，这就给了艺术家更多的创作空间，她迫切地需要人们去关注，相信，只有历史会证明一切。

❻ 请问伤痕美术这个名词第一次是谁提出的它的意义伤痕文学对它的影响

不求赏心悦目 “伤痕”美术表现历史“悲剧”/图
发布时间：2005-08-18 11:19:10 来源：新华网

《南京大屠杀》（油画，作者：蔡玉水）

正在上海美术馆举行的“纪念抗战胜利京沪美术作品联展”中，第二部分以“凝重色调”为题，精选了建国以来10组有影响的中国画、油画。作品通过对残酷的战争场景的描绘，表现了民族历史的“悲剧”。美术评论界借用“伤痕”文学一词，称之为“伤痕”美术。

“伤痕”美术是怎样产生的？它的表现手法是什么？带着这些问题，记者采访了上海美术馆研究员、执行策展人尚辉。

特点：审美意识的转变

文革后，不少作品从原来的理想主义、英雄主义，转向悲情现实主义和平民主义；从表现英雄，塑造典型，转为对战争中普通人的描绘。

展品《矿工图》的产生，标志着主题绘画审美意识的转变。画家从幸存下来的老矿工身上获得了深切感受，以民族斗争为主线，“画出受压抑、压得透不过气来的状态。”画面中那些极为沉重、痛苦、令人悸动的形象，远远超出了矿工题材自身。《中华百年祭》的创作过程也是一次长达10年的悲剧体验。画家把自己封闭起来，独自吞咽这百年的屈辱，感受母亲6岁沦为孤儿被数次转卖的遭遇，兄妹五人在艰难中长大的经历。创作冲动和苦难体验交织在一起，构成了《中华百年祭》的形象基调：鲜血、生命、镣铐被镶嵌在象征永恒的石碑中，“以历史的悲剧给我们以深沉的思考”。

突破单一现实主义再现模式，将现代艺术语言和观念纳入创作中，使“伤痕”美术具有当代艺术的特征和文化含义。《矿工图》利用形象的重叠错位：数不清的仇恨目光、麻木的脸、痉挛的手，以其自然真实牵人心魂。油画《南京大屠杀》的人物躯体是写实的，但将不同场景构织在一起，仿佛是梦魇将民族伤痕的影像重叠在一起。这种超现实的时空组合，目的不是赏心悦目，而是让人心灵震撼。

起因：对主题创作的反思

尚辉介绍说，早在1980年，美术评论界就提出“艺术要反映理想的生活，但不能要求艺术家用一种规定的方法去观察生活、认识生活、表现生活，使艺术只可以捕捉理想，并把这种理想作为‘样板’强加给艺术家。”评论家邵大箴也反对把文学、戏剧的情节观念移植到绘画中来，忌用说明性、解释性的细节来表达故事和情节。

因此，有不少题材主要在倾诉悲剧的情怀。《浑江血证》再现了骇人听闻的“浑江双十二惨案”，描绘为生存而抗争的35个手无寸铁的中国人，痛苦的呻吟与愤怒的呼号让人震惊和伤痛。《杨靖宇将军》则描绘了他被日寇枪杀后尸体在雪橇上拖行的情景。这里没有表现反抗，只有押运日军踩雪的脚步声和牵牛老农的木然表情。这种勇士之死，反使人追忆他被害之前的壮烈与英勇。

“伤痕”：倡导“尊重历史”

“伤痕”美术倡导“尊重历史”。这在很大程度上夹裹了人性主义立场。例如，被俘日军忏悔也成了创作的一个视角。《秋雨》描述了日军投降后的撤离，把日军置于萧瑟的秋雨中，寓意侵略必败的人文内涵；《月是故乡明》描绘了月光之下日军对故乡和亲人的思念，反衬出战争的残酷及渴望和平的心理。

伤痕美术"，作为一场思想解放运动，率先反叛了30多年来粉饰生活的假现实主义，对人的命运的关注对后来的艺术发展起到了决定性的影响。而"伤痕美术"最早则是由罗中立的油画《父亲》所引发的一场全国性大讨论而波击开的，罗中立也因此在中国美术史上享有了较特殊的地位。

❼ 《春风已经苏醒》对这幅画的最佳赏析和认识

写实油画家何多苓成名作赏析之：《春风已经苏醒》
创作于1982年的《春风已经苏醒》。何多苓在上世纪80年代的作品被称为“伤痕美术”的代表之作。是受了当代美国现实主义画家安德鲁·怀斯画风的影响的。事实上，在上世纪80年代，中国的许多青年画家在经历“文革”之后，不再受到样板美术的束缚，转而注重于艺术的人道主义、人情味和现实写照。何多苓的画风的确如同一股新鲜的“春风”，并成为当时艺术“苏醒”的代表者之一。
上世纪80年代初，何多苓在当代美术史上留下了他的第一个有影响的艺术形象《春风已经苏醒》，被列为当时伤痕美术的代表，但画家本有不同观点，他承认画得很细，画面有美国边缘画家怀斯的风格。“情调是抒情的，诗意的，神秘主义的，不可知的”。
欣赏何多苓的这幅油画《春风已经苏醒》时，你肯定会被它震撼住。它在80年代初伤痕文艺思潮中显得很独特，其独特之处就是画面那种伤感的情调，一下就把我们拉回到农村生活的环境和氛围之中，画面上的小女孩仿佛天天见到看着长大的邻家农民的孩子，她的装束，青花布围腰，她的眼神，眼神里透露出的茫然，孤独和企盼，让每个看到她的人怜悯犹生。
因此，《春风已经苏醒》也可以看作是画家面对一位青春女孩，而不是对一个国家在政治上复苏的语言。这个女孩的形象是理想化了的，因为这种理想特征，使这幅画在当时有思想解放符号解读的形象余地。但另一方面，我们可以从画面上看出画家对于人的性别特征和个性化描写，坐在草地上的女孩的青春身体，她的皮肤质感，以及对吹来的乍暖还寒的春风微妙的表情，这种描绘的精细化表现不仅当时少见，就是今天看来，在何多苓自己的作品中也是难得的。
何多苓的画风在九十年代中期逐渐转变从唯美的理想性的女性形象向世俗化的真实转变，呈现出一种转向“诗意”气质的体现。新近的作品如“躺着的女孩”等则向“精神肖像”绘画的转变，与《春风已经苏醒》相比，后者实际上是模仿当时“伤痕”文学和哲学的表现方式，而前者则是试图回到一种形象的本体，找到形象在绘画性自身中的诗意形式。

以上回答供您参考！希望对您有所帮助！
杭州图书馆

❽ 伤痕美术.大家好啊,我想了解伤痕美术,能不能给我推荐一些专业的书籍或论文之类的,谢谢拉

推荐本前段时间刚看的书《全球化与中国图象》
四川大学的一个女教授彭肜写的
讲新时期中国油画本土化思潮
里面有大量篇幅写伤痕美术
四川美术出版社的

http://www.1000book.com/proct.asp?id=158729里可以找到

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另外
http://www.china.com.cn/chinese/feature/986394.htm里有提到可以看看

❾ 伤痕美术的代表作品

1978年，《连环画报》邀请刘宇廉和陈宜明、李斌一起创作《伤痕》，这是根据当年影响很大的卢新华的同名小说改编而来，表现“文革”中悲剧灾难的生活历史。1979年刊出后获得广泛好评。获第二届全国连环画展览一等奖。
1979年他们又应邀合作连环画《枫》，描画一对恋人在“文革”中分属不同红卫兵派别，最终都成为牺牲品的悲剧故事。由于这组连环画真实刻画了当时的社会环境，出现了四人帮、林彪的画像等，当时有主管领导人认为有宣传四人帮的嫌疑，刊载《枫》的《连环画报》一度被禁止发行，后放行并加印十万份。这组画引起很大的反响，据说有上百万的读者，和当时的“伤痕文学”同步，被媒体评论为“伤痕美术”的代表作，在建国30周年全国美展上获一等奖。 鲜为人知的是，1979年刘宇廉和陈宜明、李斌还创作过一组从未发表的连环画《张志新》。他们为此深入曾监禁张志新的沈阳一监狱进行调查写生，并了解到张志新遭到很多非人的待遇，听说因为不给水她还曾拿经血沾馒头吃，他们边写生边请模特拍摄，尝试用报道式的手法和政论式的文字来表现对那个时代的反思，但是画稿出来后上面说张志新已经宣传得够多了，不准刊登。
2005年8月26日，一个名为“西去九色鹿——刘宇廉艺术回顾展”于在中国美术馆开幕，尤其是那组关于“文革”中被迫害致死的烈士张志新的连环画，吸引了不少人驻足观看。一个将近五十岁的中年人，神色凝重地站在画前，慢慢的，慢慢的，他的眼眶开始变得湿润，但他没有去擦拭。 在四川美术学院第二年，快到农历大年三十时，罗中立在路边公共厕所看到一个收粪的农民，这个场面触动了罗中立。“看到他的时候天已经黑了，而且外面的天气阴雨绵绵，非常湿、非常冷，当时我看他还是很麻木的，完全不知道已经是大年三十这样一个感觉，所以当时一下子很震动，然后回去马上画了很多关于收粪农民这样一个场面。”他认为是又脏又臭的农民支撑着国家，农民才是支撑国家和民族的真正脊梁。
1980年12月，参展作品全部到达北京中国美术馆。《父亲》是中国油画史上前所未有的一幅巨幅头像。看着眼前满是皱纹苍老的面孔，几乎所有的评委都被深深的的打动了。据说，这一天评委们在画像前站了很久，细细品味着画像的每一个细节。《父亲》一举夺金奖。 高小华的《为什么》从题材到表现形式，充满着历史的反思。铅灰色的调子、厚重的笔触迥异于“文革”时期流行的美术样式“红光亮、高大全”，更为重要的是，高小华将一种对“文革”的怀疑情绪散布在画面的每一个角落。这一切都是“为什么”？不仅是高小华的疑问更是几代知识分子的疑问。随后的1982年，高小华的毕业创作《赶火车》在“四川美术学院油画赴京展览”上亮相，再次引起巨大反响。
高小华在画小稿的时候，《为什么》被老师否定过，因为题材实在太敏感了。之后，他把作品的小稿和照片寄给《美术》杂志期待他们可以发表，但都没有回音。后来《美术》杂志在插页中试探性地发了出来。 1954年生于成都。中国美术家协会会员。四川音乐学院数字艺术系系主任，电子科技大学成都学院图形艺术系学科带头人。现为驻德自由艺术家。

❿ 伤痕美术的概述

“文革”结束后，有些文学、美术作品，开始从原来的理想主义、英雄主义，转向悲情现实主义与平民主义；从表现英雄，塑造典型，转为对大时代里普通人命运现实的描绘。画家们停下了手里那支专画阶级斗争的画笔，开始发自内心地重新打量这个平凡的世界。种种迹象标志着，一个“神”时代的结束与一个“人”时代的开始。中国知识分子再一次意识到，作为生命个体的价值和尊严，他们把对国家符号的崇拜转向了对于普通社会人文生态的关注。政治、社会形态的转变促进了审美意识的转变，艺术冲破了原有单一现实主义虚假再现模式，将现代艺术语言和观念纳入其中。