美術鑒賞論文1000字

❶ 求一篇1000字左右的高一美術鑒賞論文

從《蘭竹圖》，看鄭燮高超的繪畫技藝
《蘭竹圖》是「揚州八怪」中的奇才鄭燮所作。
揮毫已寫竹三竿，竹下還添幾筆蘭。
總為本源同七穆，欲修舊譜與君看。
這首《蘭竹圖》的題畫詩，較早的，見錄於中華書局上海編輯所於1962年編印的《鄭板橋集》，而事隔近40年的今天，即在2000年朵雲軒的秋拍現場，當《蘭竹圖》報出25萬元的起拍價後，買家紛紛亮牌，各不相讓，此圖竟一路飈升至150萬元落槌，創下境內書畫市場中鄭氏蘭竹的最高價，震動海內外收藏界。
鄭燮（公元1693-1765年），字克柔，號板橋，江蘇興化人，康熙秀才，雍正舉人，乾隆進士，是一位有「三絕詩書畫」之稱的清代著名文學家和書畫家。在繪畫方面，鄭燮擅長蘭、竹、石，偶作梅、菊、松，作品數量和藝術成就以蘭竹為最高。他的蘭竹畫軸和雜品，存世較多，流傳較廣，自清代以來，成為人爭之寶。
《蘭竹圖》卷中有蔣士銓的題跋：「平生愛所南先生及陳古白畫蘭竹。既又見在滌子畫石，或依法皴，或不依法皴，或整或碎，或完或不完。遂取意構成石勢，然後以蘭竹彌縫其間，雖學兩家，而筆墨則一氣也。」從這一題跋中可知，這幅畫取法於鄭所南、陳白陽和石濤，但卻是「取其意之法而成為自成一體」。
蘭竹圖，紙本卷軸，以半邊幅作一巨大的傾斜峭壁，有拔地頂天、橫空出世之勢；壁岩以皴染間施的筆法運籌，空白見平整，峰峻顯倔巍，用筆用墨都恰到好處。峭壁上有數叢幽蘭和幾株箭竹，同根並蒂，相參而生，在碧空中迎風搖弋。雖然叢生於岩縫，但又不囿於岩壁；自有「竹勁蘭芳性自然」，「飄飄遠在碧雲端」那種不為俗屈的活力。蘭竹用焦墨揮毫，亂中求正，密中見疏，水墨斑斕，使其表現出欣欣向榮又獨傲蕭爽、清靜秀逸的風格。畫面提拔雲：「飲牛四長兄，其勁如竹，其清如蘭，其堅如石，行輩中無此人也。屢索予畫，未有應之。乾隆五年九秋過予寓齋，回檢家中舊幅奉贈。竹無干，蘭葉偏，石勢仄。恐不足當君子之意，他日當做好幅贖過耳」。以蘭竹的自然特性比擬人的秉性情操，字里行間，包含著對友人的深情。題跋以隸書和行書相參共用，飄然有致，不僅起到了補敘畫意和彌合畫面空白的作用，而且給人以精美的書法藝術享受。整幅畫面，較好地表現了畫家所作蘭竹的純美意趣，以及把握整體，揮灑成章的作風。鄭燮作過盆蘭籬竹，但他猶其嗜好描繪「亂如蓬」的山中野蘭。據說，他為此 曾自種蘭花數十盆，常在三春之後將其移植到野石山陰之處，使其來年發箭成長，因而得山中蘭「葉暖花酣氣候濃」的貞美實質。鄭燮愛賞竹，在題《竹》一文中，他寫道：「余家有茅屋二間，南面種竹。夏日新篁初放，綠蔭照人，置一小榻其中，甚涼適也。秋冬之際，取圍屏骨子，斷去兩頭，橫安以為窗欞，用均薄潔白紙糊之。風和日暖，凍蠅觸窗紙上，咚咚作小鼓聲。於時一片竹影零亂，豈非天然圖畫乎！」因為鄭燮畫竹是經過了從「眼中之竹」，轉化為「胸中之竹」，再傾注了畫家的主觀感受，藉助於筆墨，揮灑於紙的「畫中之竹。」所以，他的竹畫自然就比生活中的竹子更美，更具有藝術魅力。鄭燮曾說：「凡吾畫竹，無所師承，多得於紙窗粉壁日光月影中耳。」他作蘭竹，並不排斥傳統技藝，相反，直接取法於石濤，並得益於徐渭、文與可等先輩的筆意。他認為，這種學習必須「略其跡」而「取其意」，有所取捨。

❷ 美術鑒賞結課論文，2000字，內容與美術有關就成。

非藝術在讀大學接受藝術教育的重要性
摘要：通過對時下最新美術教育新聞及專家對其問題的看法得出美術鑒賞的教育對非藝術在讀大學生多方面的重要作用。包括審美教育，學生身心健康及德育方面的重要作用，以及和文化的緊密關聯。正確認識專家的建議，充分認識到藝術教育及藝術創造的重要性。

關鍵字：藝術教育，德育，審美，藝術創造，文化

（一）時下有關新聞 新華社杭州1月23日專電（張冬素）今後，浙江省的大學生在校期間必須選修一門藝術類課程，並且要通過考核取得2個學分才能畢業。這是記者從省教育廳獲悉的消息。
日前，浙江省委宣傳部、省教育廳、省財政廳出台《關於進一步加強高等學校藝術教育工作的意見》，出台這一規定的目的，就是為了通過各種形式的藝術教育，以全面提高大學生的文化素質，從而更加自覺主動地推動社會主義文化大發展大繁榮。
近幾年來，浙江省有關部門一直努力全面提高大學生藝術素養。2006年4月，該省啟動以「走近大師、聆聽經典、陶冶情操、提高素養」為主題的高雅藝術進校園活動。送進校園的高雅藝術從開始時的交響樂、京劇、越劇，擴展到去年送話劇、紹劇等，讓近46萬人次學生接觸到傳統藝術。
據了解，今後浙江省將繼續以優秀經典劇目為主要演出內容，把交響樂、京劇、崑曲、越劇、紹劇、婺劇等高雅藝術送進大學校園，並在大學生中開展藝術專家學術講座，普及高雅藝術知識。
據介紹，本次浙江省有關部門規定的高校藝術選修類課，分限定性和任意性兩類，限定性選修課程包括《藝術導論》《音樂鑒賞》《美術鑒賞》《影視鑒賞》《戲劇鑒賞》《舞蹈鑒賞》《書法鑒賞》和《戲曲鑒賞》，每個學生在校學習期間，至少要選修其中1門，並通過考核取得2個學分才能畢業。浙江省要求高校要努力創造條件開齊藝術類選修課程並計入學分。
(二)專家看法 著名教育家這樣談論了自己的感受。我老是引用美國的第二輪總統亞當斯的話，他說我們這代不得不在馬背上打仗搞政治，是為了讓我們的兒子一代搞數學，讓我的孫子一代搞音樂和舞蹈。他不是真的講自己的孫子，自己的兒子，不完全是這樣，他就覺得一個人類的目的性的過程，我們這代不得不騎在馬背上搞軍事搞政治，軍事、政治不是人類的終極目標是過程。為了搞科學，為了搞哲學，最美好的人類還不完全是如此。在這個意義上，藝術的地位不可小看。
（三）藝術教育的重要作用 美術教學在現代教育中的現實意義和美術在藝術世界的特殊地位不容忽視的，它是人類的親密伴侶，它和人類的生活息息相關。馬克思歷來就十分重視審美教育，要求不但要掌握科學，而且要懂得藝術，認為藝術不僅能幫助人們認識世界，而且能鼓舞人們改造世界，去創造美好生活，他曾說過，社會進步就是人類對美的追求的結晶。美術作為一種視覺藝術有其獨特的魅力，而美術教育更是一門教育的藝術，在當今素質教育中起著不可低估的作用，對於培養德、智、體、美、勞全面發展的一代新人具有重要意義。
1美術教學的德育作用 五育之中「德育」首位，美術教育融「德育」於一體，美術教學通過描繪祖國的大好河山，欣常優秀的美術作品，使人精神振奮與之共鳴，從而產生強烈的教育效果，例如欣賞董希文的油畫作品《開國大典》可感受到作者通過構圖、色彩、形式表現出了中國人民從此站起來的信心和氣魄，自覺產生強烈的自尊心和自豪感激發高漲的愛國熱情。欣賞白石老人的國畫作品《卻教蜂蝶為花忙》透過蜜蜂在鳳仙花中飛舞采蜜的忙碌的情景，頌揚了勤奮勞動的精神，歌頌了普通勞動者的勤勞品質，讓同學們不僅體會了生活小景中的高雅景緻，也激發了學生對勞動的熱愛和敬慕。
2藝術教育的美育作用 審美教育對人們的潛移默化的影響，歷來被許多人士所認可。我國早在西周和春秋時期，在教育內容上就有德、行、藝的內容，實際上包含了德、智、體、美幾方面的內容。封建社會晚期，藝術雖未被列為必修課，但「琴、棋、書、畫」卻一直作為士大夫階層文化素養方面自我完善的內容之一，我國著名的藝術教育家豐子愷先生曾這樣說過：「能用作畫一般的心來處理生活，對付人生則生活美化，人世和平。」此為藝術的最大效用，法國雕塑家羅丹說過，生活中不是缺少美，而是缺少發現美的眼睛。美的事物在生活中處處可見，但並不是每個人都能感受到和欣賞的。只有通學習、培養、訓練才能使人的審美意識不斷提高。
3素質方面的作用 （1）有助於發展人的全面思維一個人必須把邏輯思維與形象思維、科學思維與藝術思維有機地結合起來，才能形成高質量、高素質的健全的思維。小時候有想像力，思維得到了健全的發展，以後才能有更好的創作。玩沙子、捏泥人、看螞蟻搬家，對孩子來講都是十分重要的，是一個人在成長過程中的必要的營養素。離開了這些，沒有童心，沒有童趣，缺乏想像力，就很難培養出健全的人格。（2）有助於培養學生健康、豐富的感情世界 教育不能夠離開感情，在教育過程中，教育者和被教育者之間必須以感情作為橋梁，作為紐帶，才能產生教育的效果。教育離不開感情，感情最能教育人，最能打動人，最能收到良好的效果。藝術教育的特點不僅僅是以理服人，更重要的是以情動人、以情感人。
（四） 與文化的重要關聯 藝術課程關注文化，其實並不是現在的事情，因為藝術課程始終就沒有脫離文化，也不可能脫離文化。區別在於，過去的藝術教育與文化之間並沒有形成一個明確的關系意識，也沒有如此理直氣壯地高呼著走向文化的口號。現在的則以自覺的態度，高唱著走向文化的進行曲，態度張揚地浩浩盪盪地走進了文化。
且讓我們傾聽那震耳欲聾走向文化的進行曲：
「藝術是人類文化最早和最重要的載體之一，運用藝術形式傳遞情感和思想是整個人類歷史中的一種重要的文化行為。……通過對 藝術課程的學習，有助於學生熟悉藝術的媒材和形式，理解和運用視覺語言，更多地介入信息交流，共享人類社會的文化資源，積極參與文化的傳承，並對文化的發展作出自己的貢獻。」
「藝術是人類文化的一個重要組成部分，與社會生活的方方面面有著千絲萬縷的聯系，因此藝術學習應視為一種文化學習。應通過藝術教育，使學生認識人的情感、態度、價值觀的差異性，人類社會的豐富性，並在一種廣泛的文化情境中，認識藝術的特徵、藝術表現的多樣性以及藝術對社會生活的獨特貢獻。同時，培養學生對祖國優秀美術傳統的熱愛，對世界多元文化的寬容和尊重。」
「我國的藝術有著悠久的歷史和輝煌的成就，與其它國家和民族的藝術共同構成世界藝術的多元文化。藝術是人類文化的重要組成部分，具有人文教育的功能

推薦書籍：《美術鑒賞》陳洛家主編；《美術鑒賞：造型藝術美學分析》作者樊林；
《中國民間美術鑒賞》孫建君主編；《中外美術鑒賞》朱旗；戴雲亮主編：《中外美術鑒賞十六講》楊淇主編；

❸ 美術鑒賞論文範文

克勞德•莫奈

莫奈(Claude Monet, 1840-1926)1840年生於巴黎，童年在阿佛爾渡過。他沒有按照畫家的常路走，而是以畫漫畫起家，在畫漫畫方面有了一些名聲，並受到歐•布丹(Eugène Boudin, 1824-1898)的注意。布丹曾對莫奈說「當場畫下的任何東西，總是有一種以後在畫室里所不可能取得的力量、真實感和筆法的生動性。」莫奈在他今後的繪畫生涯中也是按布丹說的話去做的，因為在他的內心裡充滿了對大自然的熱愛。
不久，莫奈又被荷蘭的畫家約翰•巴托爾•德•瓊康的創作所吸引。這位畫家以動盪、興奮、活潑而且比他同時代的法國人更為活躍的筆觸畫小橋、村景、河岸和破舊的茅草屋。莫奈就是從布丹和瓊康那裡接受到了基本藝術修養的。
1859年，莫奈來到巴黎，在那裡見識到了居斯塔夫•庫爾貝（Gustave Courbet,1819-1877）、讓-巴蒂斯特•卡米耶•柯羅（Jean Baptiste Camille Corot,1796-1875）以及愛德華•馬奈（Edouard Manet1832-1883）的創作。他認真鑒賞了他們的繪畫長處，並且以驚人的速度運用了他們的成就。但莫奈並不是他們的追隨者，而是一個反叛者。莫奈並不想在學院完成他的學畫過程，他只在1863年在格萊爾學院的畫室里呆了一段時間。當他遇到了巴齊依（Bazille）、阿爾弗萊德•西斯萊(Alfred Sisley,1839-1899)和皮埃爾•奧古斯特•雷諾阿(Pierre-Auguste Renoir,1841-1919)以後，他便勸說他們也放棄那些學字派課程。當格萊爾學院的畫室停辦後，他便把他的夥伴們帶到楓丹白露林邊的一個小村莊——舍依，在那裡畫戶外寫生。
當莫奈離開了格萊爾學院畫室後，他並沒有去充實他那相當貧乏的藝術修養，而是懷著火熱的信念投入了自然生活的純直覺觀察；他根本不買各種理論學說的帳，而是發展出自己的一套繪畫方法。

莫奈一生對造型漠不關心，他關心的是正確的層次關系。正是因為莫奈對造型格格不入，所以他能夠輕而易舉地表現出他所確實看見的事物，但也正因為此，他卻表現不出事物的幻覺真實感。
莫奈不只滿足於能夠畫他所看到的事物和按照他所看見的那種方式來做畫；他想要創造一種獨特的效果，達到一種在繪畫上似乎是不可能達到的目的。他喜歡所有使人眼花繚亂的東西，他描繪的河水、天空、房屋和樹木都洋溢著非同尋常的生命感。他的內心滿懷著難以遏止的激動；從他的觀念看他是一個現實主義者，然而從他本性看，他卻是一個幻想家。
1864年，莫奈完成了「翁費勒的塞納河口」，此畫是1865年的官方沙龍上展出，並受到了熱烈的歡迎，當評論家評論此畫時說：「用調子所組成的和諧色彩……頗能吸引觀眾們的大膽感覺」。這表現出官方對人們很喜歡這幅畫是完全可以理解的。油畫表現了豐富的中間調子和那種暗淡、沉著的色階。向深處展開的空間，通過河岸線而處理得十分成功按照傳統，河岸線標志著中景和遠景。在這幅畫上，出於莫奈自己的東西，就是表現在前景水的筆觸和雲的筆觸上的「頗能吸引觀眾的大膽感覺」；這些筆觸加強了畫面的傳統效果。
在1866年，莫奈用了幾天功夫完成並展出了他未來夫人的肖像「穿綠衣的女士——卡美伊」。這幅肖像引起了爭論，但總的說來是成功的；有人甚至把它同馬奈的肖像畫相媲美。這幅肖像充分顯示出了莫奈的個性：他對造型的淡漠態度，以及這個女人的動勢和她的裙子上顫動的光都賦予整幅畫特殊的說服力；由此而產生了一種動力感和生動性。
同年，莫奈展出了「聖日爾曼•俄塞羅瓦教堂」一畫，這幅畫對於他未來風格的發展具有更大的意義。油畫是他從羅浮宮的一個陽台上畫的，這幅畫是要表現樹葉上的反光。並排的筆觸生動地表現了空氣的振動，依靠這些筆觸的結合而取得了綠黃色的光和綠黑色的影的生動效果。這里的用筆方法已經省印象主義①的了，但色彩還不夠透明，甚至藍色的陰影也還是渾濁的；它們畫得就像是黑色。教堂和房子在顫動的樹葉相比之下顯得過於密集了。畫中沒有整體的形象，但樹葉的畫法卻給我們透露出一點莫奈的色彩理想來
「穿綠衣的女士——卡美伊」是在畫室里完成的人物畫；「聖日爾曼•俄塞羅瓦教堂」是在外光下畫成的風景畫。「花園中的女人」一畫把這兩種觀察方法結合起來了。這里的畫面基本上是根據一幅照片安排的，這說明莫奈並不介意使構圖服從了自然景物的偶然性。照片本來也該使莫奈想到空間的深遠效果的，然而，莫奈對此也並未介意。使他感興趣的僅僅是平面和色彩對比而已。正因為這幅畫的人物沒有立體感和起伏，色彩才能在這里大放其光彩和充分顯示其多樣性。婦女衣裙上的花飾，草坪上的鮮花，突出在大片濃綠之中的葉子，從樹葉的空隙之間透露出來的天空，穿透陰影的光線，這一切造成了一幅色彩妍麗的鑲嵌畫的效果。但這幅油畫缺乏色調效果：光線和陰影落在了人物所佔據的同一個平面上，因此，光線不能滲透人體，不能成為形的實體。大片固有色起了過多的作用。所有這些合在一起，與其說是真實表現了所見的事物，不如說是一種公式，但這種公式正是一個空前大膽的綱領。這一綱領的公式化一旦消失，光線便將滲入中間調子，生命也將滲透每一個筆觸，而整體的統一也就將要形成，那時，藝術就會變得花團錦簇，印象主義就要完全成熟了。
1872年，莫奈創作了揚名於世的 「印象，日出」。這幅油畫描繪的是透過薄霧觀望阿佛爾港口日出的景象。直接戳點的繪畫筆觸描繪出晨霧中不清晰的背景，多種色彩賦予了水面無限的光輝，並非准確地描畫使那些小船依稀可見。這幅畫在1874年3月25日開幕的印象派畫家第1次聯合展覽會上展出，這幅作品是莫奈畫作中最具典型的一幅。
莫奈在視覺觀察方面無疑是一個富有創造性的天才。他善於從光與色的相互關系中發現前人從未發現的某種現象。他把全部注意力都集中在光與色上，從而找到了最適於表達光與色的明度差別變化的形式，他把這種光色明度差別變化從繪畫的各種其它因素中抽象出來，把它提到了不可攀登的高度。莫奈的視覺觀察是天才的、創造性的、非凡的，可是在這種觀察的背後又是什麼呢？他所看見的東西同他所感覺和他所想像的東西之間關系又是如何的呢？
莫奈在1874-78年間在阿爾讓特依所畫的一些畫可以回答這些問題。如創作於1872年的「阿爾讓特依的帆船」。在這幅圖里中間調子代替了色彩對比，但不是借了色彩的混合，而是通過形成一種光的綜合作用的色彩分解或組合。黑色已不再出現於畫家的調色板，剩下的只是造成明與暗的光譜色彩，它們形成了形的實體。統一的色彩風格很自然地遍及整個畫面：遠景和近景，物體、水和天空，把這一切改造成為一種美妙動人的景象，而渾然一片、不分層次的空間透視，則把這遠景和近景聯成一個整體。紫色和黃色的調子同河水和天空的蔚藍色交織在一起，這些顏色的調子差別把這些自然現象區分得清清楚楚，而且平靜如鏡的河面，彷彿就成了天穹的基礎。幾何學的透視已被忘卻；它已讓空氣的不斷運動代替了。每一種顏色單獨看來十分柔和，它們的整體卻又是強烈的；出現在我們面前的是天邊焰火彌漫，白晝即將消逝的圖景，一條大帆船靜靜地停在一片灰色的半陰影之中。這是一個幻想家的直觀，在這煙霧繚繞、夕陽西下、一片憂郁的氣氛之中，莫奈彷彿就是那光的生命，直接參與著它的逐漸熄滅。這是莫奈創作中的豐收時期，是他創作了色彩的傳奇。
聖拉查爾火車站繪於1877年的「聖拉查爾火車站」是一幅表現巴黎火車站的畫，這是一個日常生活場面的實際「印象」。莫奈神往於光線穿過玻璃頂棚射向蒸氣煙雲的效果，神往於從混沌之中顯現出來的機車和車廂的形狀。莫奈相信光線和空氣的神奇效果是最為重要的，他巧妙的平衡了畫面的調子和色彩，這幅畫出色的表現了力量、空間、對比和運動。
1883年莫奈過日維爾尼定居，他在那裡建造了一座小花園，以便在那裡畫畫；他在池溏里種了許多蓮花，這使他發現了實現他綱領的主題：畫一些堅硬的形體、水和空氣，盡量使它們融合在一起。這便產生的組畫「睡蓮」，「仙女池，玫瑰色的和諧」就是這組畫其中之一。這幅畫反映了莫奈一種物我兩融的願望，但它沒有一點悲愴的情調。
每一個研究莫奈創作活動發展的人都會發現，如果說最初的命運促成了莫奈的發展趨勢，那麼後來就是他自已創造了他的命運。之所以莫奈成為「印象主義」風格奠基人、被他的朋友公認為「班首」，是因為莫奈不可動搖的堅強意志。從所周知，印象主義意味著感覺和觀察方式的變革，它不僅改變了繪畫，而且改變了雕塑、音樂、文學，就是到了今天，它也沒有失去影響力，仍然改變著我們。

簡歷
莫奈（Claude Monet,1840-1926） 1840年2月14日生於法國巴黎。父親庫路多•阿多洛夫•莫奈是位商人。
1845年 來到法國北部港口阿佛爾，在那時上學。在上學期間，莫奈唯一的愛好就是繪畫，故此學習成績不佳。
1855年 莫奈在當地已小有名氣，他的漫畫在文具店裡展出並出售，價格為每幅20法郎。由畫商介紹結識風景畫家歐•布丹（Boudin），受布丹影響莫奈對大自然充滿著熱愛，開始學慣用油畫和素描來畫風景。
從1858年 莫奈開始從布丹那裡接受了不同於學院派的繪畫思想，學習並動筆畫外光畫，並魯昂的展覽會上展出一幅作品。
1859年5月 來到巴黎，在巴黎他見識到了居斯塔夫•庫爾貝（Gustave Courbet,1819-1877）、讓-巴蒂斯特•卡米耶•柯羅（Jean Baptiste Camille Corot,1796-1875）以及愛德華•馬奈（Edouard Manet1832-1883）的創作。
1860年 莫奈進了斯維賽學院，練習人體寫生。在這里，他接觸了後來成為印象派的一些畫家，比如卡米耶•畢沙羅（Camille Pissarro,1830-1903）等。同年秋天，莫奈被編入法國的非洲軍團到阿爾及爾服兵役。在服兵役期間，部隊允許他作畫，在那裡，他曾為隊長的夫人畫了肖像。
1862年初 因為貧血，莫奈從軍營回到阿佛爾家裡養病。這時，他認識了荷蘭畫家瓊康，並與瓊康及布丹（Boudin）一起從事創作。
1863年 借復活節的休假之機，莫奈將同窗的畫友帶到了巴黎南郊巴比松村附近的楓丹白露森林，在那裡進行創作。在外光下，大家創作了一批具有巴比松風格的作品。
1864年 莫奈來到了昂弗勒作畫。在這里，莫奈的兩幅描繪塞納河的風景畫《落潮的埃沃海角》與《昂弗勒港》被選入1865年的官方沙龍。
1866年 以戀人卡繆為模特的、全身大幅肖像畫《穿綠衣的女仕》在沙龍展出，該畫受到了評論家埃米爾•左拉（Emile Zola l841-1902）的好評。同年夏天，莫奈創作的《庭院里的女人們》，在1867年的沙龍中落選。1866年的秋天，為了避開討債的人，莫奈自毀了約200幅作品後，回到阿佛爾。
1867年 懷孕的卡繆為莫奈的父親所不容，留在了巴黎，莫奈住在姑母家。7月卡繆生下第一個孩子，只好請在巴黎的巴齊依作教父代為照顧。此後的幾年中，莫奈始終在阿佛爾及其附近，與布丹、瓊康，有時與庫爾貝一起作畫。在這個時期里，由於與父親的關系緊張，經濟拮據、生活艱難。為此，莫奈曾一度有過輕生的念頭。
1869年 他回到巴黎，參加了"蓋爾波瓦咖啡館"里藝術家的聚會。可能因為很早就離開了學校，自感在受教育方面的不足，故而很少參與爭論。這時他已經非常窮困。
1870年6月 莫奈與卡繆正式結婚。9月，莫奈將妻、子託付給布丹照顧，隻身一人去了倫敦。在那裡與杜比尼（Charles-Francois Daubigny,1817-1878）、畢沙羅相會，然後，和畢沙羅一起在泰晤士河及公園中作畫。在參觀美術館時，英國畫家威廉•透納（William Turner,1775-1851）、約翰•康斯特布爾（John Constable,1776-1837）的作品，使其為之傾倒。為了給莫奈的作品找到銷路，經杜比尼介紹，在這里認識了畫商丟朗•呂厄。此人對於窮畫家們表示了同情，在經濟方面從此一直在支援著他們。
1871年初 莫奈的父親去世，他離開英國。在杜比尼的動員下，到了荷蘭並滯留到年底。
1872年 莫奈創作了日出後揚名於世的《日出•印象》,並在1874年3月25日開幕的印象派畫家第1次聯合展覽會上展出。
1873年 回到巴黎後，在馬奈的幫助下，莫奈在巴黎以北的阿讓特伊定居。並在塞納河上建造了船上的畫室。此時，與他一起創作的還有阿爾弗萊德•西斯萊(Alfred Sisley,1839-1899)、愛德華•馬奈(Edouard Manet,1832-1883)、皮埃爾•奧古斯特•雷諾阿(Pierre-Auguste Renoir,1841-1919)。
1875年 莫奈在經濟上再次跌入窘境的。
1876年 在第2次聯合展覽會上，展出莫奈作品18件。
1877年 第3次聯合展覽會在丟朗•呂厄的畫店中舉辦，展出莫奈作品30件。
1878年3月 下第2個孩子，莫奈又面臨困境。
1879年 卡繆生去世。
1880年 大海成了莫奈新的創作源泉。此後的幾年當中，在英法海峽的海岸、埃托塔等地，莫奈多次捕捉光與影的瞬間效果，創作了一批較之以前更富有沖擊力的作品，為此有人將這一時期稱作莫奈的"埃托塔時代"，《埃托塔的崖》、《埃托塔的曼努普特》是這個時期作品中的兩件。
1882年3月1日 第7次聯合展覽會開幕，這次展覽會中有莫奈作品35件。
1883年 莫奈開始在日維爾尼定居後，再也沒有遷居。畫家晚年的許多作品都是在這里完成的。 1886年 第8次聯合展覽，也是最後的一次，莫奈沒有參加。它標志著印象主義運動的解體。
1889年6月 為了紀念法國大革命一百周年，莫奈與奧古斯特•羅丹（Auguste Rodin,1840-1917）兩
位大師舉辦了作品的聯合展出，其中包括1864－1889年莫奈的作品66件，博得了好評。
1890年後 莫奈創作了若干組作品，即"組畫"。
1890-1891年間 創造了"乾草垛組畫"。
1891-1892年間 同樣的作法創作了"白楊組畫"。
1890-1894年間 創作了"倫敦風光組畫"。
1892-1894年間 創作"魯昂大教堂組畫"。
1900年11月 在丟朗?呂厄的畫廊展出莫奈的在80年代末、90年代初創作的《池中睡蓮》組畫26件，獲得極大成功。
1904年 又在該畫廊展出了剛剛完成的有關泰晤士河風光的組畫。
1908年9-12月 莫奈與夫人阿里斯一起前往威尼斯旅行。在那裡他創作的作品達30多件。
1911年5月 莫奈的第2位妻子阿里斯又先他而去。莫奈深陷於悲痛之中，視力也隨之下降。
1914年 47歲的長子在長期患病後不幸亡故，已是高齡的莫奈更是形單影孤。莫奈在自己的庭院中建成了長23米、寬20米、高15米的大畫室，並著手創作大型裝飾畫《睡蓮》系列。
1922年3月 他決定將完成後的該大型裝飾畫捐給自己的祖國。4月12日，他在"贈與書"上簽了名。不久，由於白內障，畫家幾乎喪失了視力。9月，被醫生禁止作畫。轉年後，經過手術，視力有所恢復。
1925年 85歲的老畫家獨自一人，又在畫室、室外投入了大型壁畫的創作之中。2月4日，在人們期待的目光里，大型壁畫《睡蓮》終於完成。
1926年2月6日 就在這件巨作完成的第2天莫奈永遠地告別了人間。

❹ 求一篇美術鑒賞的論文，沒有太多要求，字數1500……拜託各位了哈……

美術是人類創造的一種精神產品，它有別於聽覺藝術的音樂、語言藝術的文學，是具有造型性、可視性、靜態性、物質性的一種空間藝術。正因為有以上基本特徵，美術作品首先應該是可以被人感知的，它能引起人們視知覺觀照的空間形式；其次，它通過其物質媒介向人們展現一個靜止狀態的相對理想的客觀世界，進而觸發人們二次創造特定的情感情緒。

波蘭著名的哲學家、文藝美學家英伽登在現象學文藝理論中提出了「未定點」的概念，盡管美術家在作品中塑造了一定的視覺形象，但它絕不等同於現實，而是作者觀念的意象化，實際上也不可能通過有限的藝術形象和藝術語言把理想無限豐富的性質毫無遺漏地表現出來，總會留下許多「未定點」，在美術欣賞的二次創造中可以稱之為「模糊層面」。

一、「模糊層面」的特點和研究意義

在實際的美術欣賞教學中，教師不能給美術作品以單一的確定性，認為作品內涵的理解應該趨於統一，認為不應該有爭議。隨著對「模糊層面」的研究和認識，它將促進美術欣賞教學的效果。

1、「模糊層面」的特點

美術作品具有造型性、可視性、靜態性、物質性的基本特徵，美術形象自然成為了藝術家在美術作品中實現某種理想的終端形態。「藝術作品的目的是表現基本的或顯著的特徵，比實物表現得更完全更清楚。藝術家對基本特徵先構成一個觀念，然後按照觀念改變實物，經過這樣改變的物就『與藝術家的觀念相符』，就是說成為『理想的』了」，盡管它也屬於客觀存在，但與我們生活中的客觀現實是有許多不同的，所謂「藝術源於生活又高於生活」。這說明，藝術家灌輸在作品中的觀念也有「未定」的「模糊層面」，筆有盡而意無窮，19世紀法國畫家米勒在《拾穗》中以現實主義的手法真實地刻畫了三位普通的法國農婦，她們彎著腰在收割後的麥地里撿拾被遺落的麥穗。盡管藝術形象真實，但也無法表現完盡作者對生活的理想觀念。現代雕塑家葉毓山的《歌樂山烈士紀念碑》組雕，其藝術形象的監獄背景是模糊的，敵人的野蠻殘酷是模糊的，唯一具體的是一種精神力量。

另一方面，讀者在欣賞美術作品時所感知和體驗的深度和豐富性也有所差別，也具有很大的模糊性，不同的生活經歷和個性特徵會使讀者產生多元的解讀，我們不能執迷於一種「建構」，主觀武斷地將對作品的「統一認識」灌輸給學生。比如，20世紀抽象主義畫家康定斯基的《即興》，不以自然物象為範本，有的只是線條、色彩、塊面、形體以及構圖等繪畫要素，不同的讀者視覺感知後被激發的情感想像和精神思維程度千差萬別。

事實上，面對一幅全新的美術作品，不同的讀者進行欣賞時的差別往往取決於對「模糊層面」的認識程度，因而研究美術欣賞中「模糊層面」，有助於我們提高課堂教學效果，也有利於培養學生的審美能力。

2、研究「模糊層面」的意義

在生活的許多方面都存在著「模糊層面」（當然也包括美術欣賞），有許多東西是無法趨於統一化或者具體化的。但是，在實際教學中發現，許多學生很注重教師課堂上對於美術作品的闡述和分析，換個時間和地點，學生的反應卻沒有一點自己獨特的視角和情感想像，完全是一種移植，這是老的教學模式的弊端，聽任這種勢態的發展，將大大地不利於我們現時代的美術教學。

研究美術欣賞中的「模糊層面」，有助於教師樹立全新的教學理念，調整課堂教學模式，讓美術欣賞教學真正起到素質教育的作用。中國古代文論中有一個重要的概念「意象」，在美術作品欣賞過程中尤其重要。意源於藝術家的內心，並藉助自己塑造象來表達，象其實是意的寄託物，讀者在欣賞感知象的同時，根據藝術作品中的特定形象在內心進行二次創作，積極地調動感情因素，還原或者填補藝術家所見所感，滲透自己的情感想像，去體驗美術作品「模糊層面」的意象之美，起到提高自身審美能力的積極作用。還將有助於幫助學生建構合理的審美知識體系，使學生學會運用多元思維方法進行創造性地學習。

二、「模糊層面」對美術欣賞教學的啟示

1、 讓學生成為欣賞主體。

在美術欣賞「模糊層面」，學生經常扮演著一個「理性」的旁觀者，是一個欣賞客體，程式化地敘述著藝術情感，諸如「體現了勞動人民的智慧和力量」、「表達了作者崇高的理想」、「反映了封建社會的黑暗與殘酷」等等，一點都沒有自己真實的情感想像，徹頭徹尾的被動欣賞。

❺ 美術鑒賞論文（急）

《大衛》雕塑品味男人性魅力

大衛是矯健的，因為他是男性美的化身。

而風度翩翩、瀟灑千態的大衛，有必要是袒露的嗎?

回答是肯定的!男性美當然與女性美有所不同--不僅是性別特徵的不同，而且是美的風 格不同，但是，男女是對應的。從人體美的角度來看，男性決不亞於女性。

其實，在早期繪畫和雕塑藝術中，裸體男性的形象多於女性。16世紀義大利人對"裸體" 的美有一種特殊的崇愛，而原因之一，就在於美的裸體是表達力量、表達英雄主義精神的一 種習慣。

早在公元之前，希臘人就推出了自己認為是完美男人形象的阿波羅神象，而作為神的阿波羅，也是赤身裸體的。而正是裸體人像，竟然符合某種數學的幾何美學。希臘第一位偉大的 數學家和哲學家畢達哥拉斯就宣稱自己是阿波羅之王子。

這奇怪嗎?不奇怪!正是男性赤裸的身體，閃爍著理性之光、正義之光。

米開朗基羅--這位偉大的文藝復興時期的藝術家，創造了第一個大理石的大衛。在米開 朗基羅的手下，大衛不僅是男性和力量的化身，而且毫不掩飾地向世人展示自己肉體的美感 。大衛的胸部隱見的肋骨和顯見的肌肉共同組成起伏的波紋。而大衛的頭部是緊張而機警的 、帶有挑戰性的，頭部、頸部與身體的和諧，隱含著一個驕傲的男性在袒露自己身軀時所特 有的、像雄雞或雄性鳳凰一樣的自豪感、誇耀感。大衛的雙手是巨大的，巨大的雙手在炫耀 著男性力度的同時，也誇張著男性在性美感、肉體美感指向外在時所具有的付出、奉獻、自 信的心理感覺。

大衛似乎在說，當你領略我的軀體時，我是無私的!看吧!我的輪廊，我的骨骼，我的曲線 ，我的肌肉，我的活力……都屬於你!

美學家評價米開朗基羅有一付不可能想像得到的"飢渴的靈魂"，他超越了奧林匹亞式的 純力度的安詳，超越了阿波羅式的純理性的冷靜，他用男性自然屬性的美，去充實一切神聖 的、正義的、威嚴的、智慧的美。正如一位美學家所說："米開朗基羅強烈地感受到男性美 的刺激力量。"

大衛的腰部極具魅力，"腰部成了塑像的主要興趣所在，從那裡放射出身體的所有其它平 面"。評論家的高論，的確啟發了我們的審美眼光：大衛的腰部並不是完全挺直的，而是略 有側屈。男性的腰部決不像女性一樣纖細，但仍然充滿了力度的曲線美。這是挺拔的腰，是 男性軀體最柔軟、然而卻是上體和下體力度交匯的部位，是肌肉排列緊湊而規則的部位。這 是男性的腰，越是承受重壓越堅強不屈，而恰恰相反，越是面對溫柔越軟屈。當兩腿從腰部 伸展出來時，好象獲取了無窮的力量，能夠站穩腳跟，也能夠跨越障礙。

徹底袒露的大衛並未遮掩生殖部位。只要不可否認男性生殖器是性別標志最突出、最基本 的表現，就不難理解，男性生殖器也是陽剛之美、雄健之氣、堅毅和活力的集中代表部位。 它的挑戰性、突兀性、付出性、堅韌性，它的隨時處於勃起預備狀態的那種潛在的充實，它 的與高昂的頭顱相呼應的隱蔽的傲氣，實際上為大衛默默地、迂迴地注入著活力和魅力。

實際上，男性人體美的各個部位都是可貴的，都有無窮無盡的美的寶藏，經得起任何無休 止的發掘。生殖部位決不例外。即使按照最基本的審美觀，男性生殖器的美也不亞於任何一 種曲線豐富的、結構和諧的、排列對稱的藝術圖案。

大自然在賦予人類男性一切自然屬性時，沒有忘記賦予他最精湛的生殖部位；

大自然在賦予人類男性生殖部位時，沒有忘記賦予它真正的美。

是的，我們過多地觸到一個神秘的領域--性。毋須諱言!

為什麼不呢?在談到無論是男性和女性的人體美時，在鑒賞任何以人體美為題材的藝術珍 品時，性當然無可迴避。

這是因為人的所有審美心理都無可避免地與性心理有著直接或間接的滲透；

這是因為一切美的事物都是給人以愉悅和快感的感受的事物，而其中必然含蘊著人們在性 追求和性吸引、性審美和性生活中感受到的愉悅快感體驗的那種"條件反射"；這是因為一切性行為和性心理，如果離開美和藝術的領略都會變得低質、劣等和愚昧，從 而造成辜負人生的最實質的浪費和缺憾。

其實，歷史上對此早有定論。還讓我們看一看藝術大師--實際上也是思想大師們精闢的 見解吧。

"亞歷山大教授說，如果裸像會喚起觀者對於肉體對象的某些想法或慾念，它就是偽藝術 ，是傷風敗俗。這種清高的理論是與實際情況相悖的。觀看魯本斯的'安德羅墨達'或雷諾 阿的'浴者'，其中的裸像不免引起(觀者的)私情雜念，多半傾心於'肉體題材'。這里有 必要引用一句經常被引用的某著名哲學家的話：任何一個裸像，無論它如何抽象，從來沒有 不喚起觀者的零星情慾，即使是最微弱的念頭。如果不是這樣，它反而是低劣的藝術，是虛 偽的道德。"

任何一個畫家或學畫者，在面對異性裸體進行素描或藝術創作時，如果內心沒有絲毫的" 情慾"，那就不僅是不可能的，而且也會使畫筆笨拙呆滯，缺乏藝術靈感。

任何一位觀賞者在看到精湛的異性裸像藝術時，如果沒有絲毫的"情慾雜念"，那就不會 有真正完善的審美滿足。

即使是觀賞同性裸像藝術，也會有出於性心理"情慾雜念"的某種同性美自豪感、比較感 或某種與性相關的聯想。這也正是女性也會喜歡女性裸像藝術，男性也會喜歡男性人體藝術 的原因之一。

既然人的肉體和精神同時誕生，既然人的各種需要層次不可能孤立存在，所以人不可能永 遠地、徹底地拋棄、否認性慾需求。當我們把性心理和審美心理完全割裂開來追求美，尤其 是關於人體美時，就陷入了一種愚蠢的誤區。

男性美在男性人體美上的滲透和折射，男性人體美沖破宗教式虛偽束縛而首先在精神肉體 相結合意義上引導人們升華的偉大力量，使大衛脫去衣服，用自身的肉體鑄成"美的鎧甲" ，赫然袒露自己矯健的身軀。

阿波羅在昂首眺望遠方，阿波羅在靜靜地沉思冥想，"結勝利帶"者優雅中卻面帶笑容， 持槍者平靜的目光也許面對獵物或仇敵，殺死蜥蜴的阿波羅竟然像女人一樣秀氣俊俏，佩爾 修斯用刀割下人的頭顱……面對這男性裸體群像，人們感到，透露陽剛之氣的雄性美散發給 西方女性太多太多，而賦予西方男性也太多太多了。這是他們應有的偏得嗎?

《美醜的糾纏與裂變》對男性人體美作了如下的概括：

男人體之美。

男人體以陽剛之美取勝，給人以強烈的力感、量感和動感。

那濃眉大眼和棱顎凸起的肌肉、黝黑的皮膚蘊蓄著巨大的爆發力、抵抗力、張力和應力。

男人身體魁梧高大，呈倒三角形，上寬下窄，不穩平衡，適宜於動：

站起來像一座挺拔的高山，躺下去像一條壯闊的大河，奔走像一串滾動的驚雷。

男人體之美並不限於表面的強悍。那種處變不驚，不屈服於命運，面對痛苦有信心、有毅 力、有智慧、能忍耐的氣質，也是一種特有的美。

呵，男子漢!"你盡可以把他消滅掉，可就是打不敗他!"——海明威

把上面的用自己的語言改編一下就可以了.

我夠速度了吧.知道你著急.

❻ 美術鑒賞的含義 論文 1000字

開國大典大家都很熟悉 並且也符合當前建國60周年的主題下面我來簡單的列一個作文的提綱第一點主題思想：作品是一幅深為群眾歡迎的革命歷史畫。它表現了新中國開國大典的宏偉壯闊的場面，再現了「中國人民從此站起來了」這一劃時代的一刻。2、 作品欣賞： 1）《開國大典》概括：畫寬4.05米，高2.3米，油畫。1952年至於953年作，現藏中國革命歷史博物館。
畫面主體為毛澤東主席和其它中央領導人在天安門城樓上。代表著億萬中國人民向全世界庄嚴宣告：中華人民共和國成立了，中國人民從此站起來。這庄嚴的聲音，響徹天安門廣場，回響在祖國大地，震撼著全世界。 畫面上，國家領導人雖只在左側占畫面三分之一的部分，但在暖調子的紅燈籠、紅柱子、紅地毯的襯托下，非常醒目。毛澤東主席健朗魁偉的身姿處於畫面中心，也體現了領導全中國的核心之核心，並與遠方千千萬萬的群眾遙相呼應，共同為中國歷史掀開新的一頁而自豪。畫家在構圖、設色、人物等場面的處理上，體現出一個泱泱大國的氣魄和風度。如果你到過天安門城樓上，會更加體會到作者構圖的大膽與巧妙。畫家在畫面上加寬了左右兩邊紅柱子的實際距離，並把右邊的一組紅柱子搬到畫面之外；將欄桿、地毯、遊行隊伍平行舒展開去使宏大的群眾場面得以充分表現。 天安門座北朝南，中央領導人本是面向南方站在毛澤東主席後面，處於逆光之中並背向觀眾。畫家大膽地將中央領導人的位置移至左側一角，從而消除了逆光與背向觀眾的現象，使畫面顯得更加明麗而喜氣洋洋。再細看，毛主席的集團也不是面向正南方。另外，典禮當天是陰天有雨的天氣，畫家卻把它改為秋高氣爽的晴朗天氣，使人有天隨人願、清爽歡快之感。所有這些大膽的改動，一般人看畫時都並不會察覺，不會去分析這些情況給人的印象是，該畫真實地、恰如其分地表現了開國大典的盛況。非如此不可。這就是藝術家大膽而高超的構圖技巧，從而體現了一個深刻的道理：藝術不是生活毫不走樣的「復制」，藝術的真實，不是生活的真實。藝術的表現，是由主題的需要而決定的。 畫家在此畫中努力使西方的油畫技法與我們民族的審美觀相適應，特別在色彩處理上，強調色彩的單純，對比強烈。紅地毯、紅燈籠、紅柱子及遠處紅旗的海洋與藍天、綠樹形成對比基調，使畫面熱烈而明快的；金黃色的菊花與藍天、白雲的對比。既點明了秋高氣爽的季節，又與黃色的燈穗相呼應，增強了華貴燦爛、富麗堂皇的歡慶氣氛。總之，畫中強調了物體的固有色，減弱了隨光線、環境而異的西方畫法用色法。柔進了中國畫法的工筆重彩繪畫技巧和敦煌壁畫用色的特點。畫家在描繪紅地毯時，還獨具匠心地在顏料中加入砂粒而收到意想不到的藝術效果。畫家深厚的藝術功底，使這幅畫成為具有強烈藝術感染力的優秀作品。 第二點）《開國大典》的歷史遭遇
作為歷史畫，不同於其他畫種，要用歷史唯物主義的觀點雲表現事物的本質，要尊重歷史的真實性。畫家在處理歷史的真實與藝術表現的手法上，掌握的分寸恰到好處。然後此畫曾兩次被歪曲修改。一次是1954年後，國家領導人中塗掉了高崗；第二次是1972年，去掉了劉少奇。這都違反了歷史的真實性。所以，在1979黨的十一屆三中全會之後，才使該畫恢復了它的原狀貌。

❼ 誰有大學美術鑒賞的論文啊！！！！1500字。緊急啊，救命了！

談美術鑒賞課在高校素質教育中的作用
摘要：美術鑒賞課是高校為加強素質教育、提高學生藝術修養而開設的一門公共藝術選修課。美術鑒賞課在培養學生審美能力和強化學生美術素質上，有著不容忽視的作用，在培養學生創新精神的過程中同樣具有重要的地位和作用。高校美術鑒賞課的開設，進一步促進了大學生的自由和諧發展。
關鍵詞：美術鑒賞 高校 素質教育 作用
隨著教育體制的深化改革和社會主義市場經濟體制的逐步確立，美術鑒賞課逐漸融傳授知識、培養能力、提高素質為一體。美術鑒賞課在高校的開設，進一步促進了大學生的自由和諧發展，為造就合格的人才服務。那麼，美術鑒賞課對大學生的全面而深刻的影響體現在哪些方面呢？筆者認為表現在以下幾方面：
一、以美引善
蔡元培先生大力提倡「以美育代宗教」，就是因為作為「美育」的重要載體之一的美術有輔助道德進步的教育功能。大學生的思想品德不是先天具有的，也不是後天自發形成的，而是在社會、家庭，特別是在學校教育中形成和發展起來的。美術鑒賞課就是學校的教育課程之一。
人的道德理想、道德認識、道德情感、道德行為建立在審美的基礎之上，並以美作為追求的價值取向。在思想道德素質養成過程中，美術鑒賞課把中外美術精品直接呈現給廣大學生，使他們產生「直觀」的美感。「審美帶有令人解放的性質」（黑格爾語），能使人的主體性得到美的提升，前蘇聯教育家霍姆林斯基說過：「美是人的道德財富的源泉。」高校的美術鑒賞課是普通美術教育工作在高校的一種延續，是一種富有強烈藝術感染力的審美教育。這種審美教育是通過鑒賞美術作品的意境、線條、色彩、構圖、肌理、空間及作者創作背景等完成的，它可以把高度發展的社會理性轉化為直觀的、生動的感性形式，其中蘊含的政治思想內容、倫理道德內涵，均使受教育者在提高審美感受、表現能力的同時，心靈得到凈化，道德情操得到升華，從而達到崇高的精神境界。生動的藝術形象和直觀的構思，給青年學生以啟迪、以感動，從美術作品中感受到美，精神上獲得愉悅和滿足，同時也在潛移默化中獲取了很多人文知識，接受了思想道德教育，人的身心得以全面和諧的發展。
二、以美啟真
素質教育應以培養學生的創新精神為重點。美術鑒賞課可以使學生以愉快的心理體驗展開想像，現代心理學揭示，興趣和愉快的心情可以為復雜繁重的智力活動提供最佳的情緒背景。好的美術作品，可以充分發揮學生豐富的想像力。愛因斯坦曾說過,想像力比知識更重要，因為知識是有限的，而想像力概括著世界上的一切，推動著進步，並且是知識進化的源泉。美術鑒賞可以使學生感知、注意、記憶聯想、幻想、創造等思維能力得到發展。通過作品的鑒賞，可以提高學生的視覺感知能力，對各種色彩的象徵義和引申義的理解會更加敏銳、協調，可以這樣認為，美術鑒賞具有啟迪智慧的作用。
美術鑒賞的過程是一種視覺思維的過程，也是鑒賞者審美創造的過程。它是鑒賞者通過對藝術家創造的藝術品的感受、想像、體驗、理解和鑒別等一系列視覺思維活動，通過對藝術作品的欣賞，從而達到開闊視野、擴大認知領域，提高藝術素養和審美能力的目的。在美術鑒賞過程中，由於鑒賞者面對的是富於啟發性的典型視覺形象，所以會自然地喚起種種有關的聯想和想像。在聯想和想像的作用下，通過特定藝術形象可以感知和認識更為豐富的內容。中國古代詩論中就有「象外之象，景外之景」之說，宋代詩人梅堯臣要求「作者得於心，覽者會以意」。中國畫的留白處理，正是留給鑒賞者想像的空間，這是鑒賞者對藝術作品再創造的過程。藝術作品不管表現得多麼完整、具體，都留有廣大的想像空間，這些空間需要鑒賞者通過聯想和想像去豐富和發展，使鑒賞者形象思維能力得到進一步的培養與提高。美術鑒賞與美術創作一樣，都是一個創造的過程，因此，鑒賞過程也是培養鑒賞者創造力的過程。 創造力的培養是素質教育的核心，美術鑒賞正適合這種創造心理的培養，尤其在美術鑒賞過程中對作品的色彩、比例、空間、節奏等視覺思維的訓練，能在潛移默化中幫助學生開拓視野，培養學生具有豐富的空間想像力，開啟思維的深度和廣度。
三、以美怡情
身心素質包括體質、體能教育和心理教育。
首先，美術鑒賞對學生身體素質的提高大有裨益。如古希臘雕塑《擲鐵餅者》就是力量與健美的和諧統一，這表明體質體能的發展過程就是按照美的原則、美的規律塑造美、追求美。在對《擲鐵餅者》深入分析、鑒賞並進一步了解作品來龍去脈的同時，還能以健康的美感引發學生強健體魄的自覺性。如鑒賞古希臘雕塑《米洛斯的維納斯》時，引導學生圍繞人體美的標准進行討論，通過美術鑒賞課幫助學生認識美的時代性、階級性和多層次性，並轉而欣賞「維納斯」的古典、和諧、健康、自然之美。
其次，美術鑒賞對學生健全心理素質也是至關重要的。美術鑒賞課對學生進行心理素質教育的進程中，首先要培養學生的愛美心理，使他們對美有一個正確的認識和概念，學會欣賞美、鑒賞美、表現美。優秀的美術作品都是作者對自然、人生和社會的理解，是創作者心靈的表露，所以在美術鑒賞中，廣大學生可以通過藝術作品這一媒介與作者進行心靈對話，使自己的心靈得到熏陶、感染、凈化與提升，從而使學生的認知心理、情性心理、社會心理得到和諧發展。此外，美術鑒賞還可以通過各種形式和方法培養學生的寬容心理和創造心理等。
總之，美術鑒賞中的各個方面、各個環節無一不關聯著素質教育，關聯著學生自由和諧的發展。2004年9月10日，******主席發表了關於美育的講話，在講話中他這樣講道：「實施素質教育，必須把德育、智育、體育、美育等有機地統一在教育活動的各個環節中，促進學生的全面和健康發展。」只有這樣，我們才能實現素質教育的目標，造就出大批具有創新精神、創新思維、創造能力並自由和諧發展的優秀人才。
參考文獻：
張道一主編《美術鑒賞》，高等教育出版社，1998年
陳洛加主編《美術鑒賞》，北京大學出版社，2003年
減福軍《美術教育與素質教育淺析》，原載於《黑龍江教育學院學報》，2003年第4期

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【摘要】普通高校加強美育，主旨是在「育人」，是要教育學生逐步樹立馬克思主義的審美觀。審美觀是關於美、審美、美的創造等問題的基本觀點，是世界觀和人生觀的重要組成部分。而大學生學習美術鑒賞的意義就是要以美引善，提高學生的思想品德；以美啟真，增強學生的智力；以美怡情，增進學生的身心健康。從而，促進大學生全面和諧的發展。
【關鍵詞】學習 方法 美術鑒賞 必要性 美育 意義

引言
有生即有情，有情即有藝術。故藝術非專科，乃人所本能；藝術無專家，人人皆生知也。晚近世變多端，人事繁瑣，逐末者忘本，循流者忘源，人各竭其力於生活之一隅，而喪生其人生之常情。於是世間創立「藝術」為專科，而稱專長此道者為「藝術家」。蓋「藝術」與「藝術家」興而藝術始衰矣！出「藝術」之深宮，辭「藝術家」之尊位，對稚子而教之習藝，執途人而與之論美，談言微中，亦足以啟發其生知之本能，而歸復其人生之常情。是則事事皆可成藝術，而人人也皆得為藝術家。｛1｝
著名藝術家豐子愷先生的這段話講的非常深刻，藝術應該是屬於全民的。而現今藝術的創造卻被集中在藝術家身上，這並不利於大學生們藝術素質和審美觀的提高。普通高校加強美育，主旨是在「育人」，是要教育學生逐步樹立馬克思主義的審美觀。審美觀是關於美、審美、美的創造等問題的基本觀點，是世界觀和人生觀的重要組成部分。而大學生學習美術鑒賞的意義就是要以美引善，提高學生的思想品德；以美啟真，增強學生的智力；以美怡情，增進學生的身心健康。從而，促進大學生全面和諧的發展。
由此可知大學生學習美術鑒賞課程對於大學生素質的培養有著非常重要的作用，所以就更應該實現美術鑒賞課程在大學里的普及。這里的普及不能單單只是書本、字面上的普及，而是真正讓大學生實現在精神上的普及，真正的了解學習美術鑒賞課程的意義，這就需要我們大學生能真正的看透一些問題。那麼以下這些問題能夠幫助我們更好的認識到學習美術鑒賞這門課程的必要性。
一 美術是一種文化，而我們大學生有發揚這種文化的義務。
大多人以為「美術」就是「畫畫」，這是一種誤解。在「五四」運動前後，蔡元培提出「以美育代替宗教」的主張，他所說的「美育」，是一個很大的概念，舉凡一切能引起人們審美活動的「術」，都屬「美育」范疇，而「美育」中的「美術」還包括了文學、音樂、舞蹈在內。後來美術的概念開始具體而微，一般的研究者把「美術」理解為造型藝術的概括，它包含：繪畫、雕刻、建築、工藝美術，現代工業社會中把「工藝美術」和「設計美術」分列為兩個不同社會范疇的同一個門類。在中國，又有書法篆刻，同時又把攝影歸入「美術」的趨向。由此可見，隨著社會文化的不斷發展，「美術」概念的內涵也在逐步擴展。
蔡元培當年提出「以美育代替宗教」的要求，首先也是因為「宗教」本身就是人類的文化表現形態之一，只是這個形態在蔡元培看來已經不合時宜了，況且，「宗教」中能夠引起人們崇敬、畏懼的形式其實還是「美術」的創造，所以「宗教」的文化性，在很大程度上是由「美術」創造的，舉凡宗教繪畫、宗教雕刻、宗教建築、宗教音樂、宗教文學、宗教舞蹈，莫不如此。由此可見，「美術」本身就是一種「文化」。｛2｝
更為嚴肅的說美術教育是衡量一個國家和地區文明程度的重要標志。它繼承和發展著人類的文明成果，傳播、保存、融合、發展著民族的文化，是民族形成、生存及發展的生命機制。美術教育作為一種精神生產，對人們的社會心理、風俗習慣、道德規范、文化傳統有至關重要的影響，成為整個文化建設的基礎。
二 美術鑒賞課對大學生的全面而深刻的影響體現在哪些方面呢？
首先它表現在以美引善
蔡元培先生大力提倡「以美育代宗教」，就是因為作為「美育」的重要載體之一的美術有輔助道德進步的教育功能。大學生的思想品德不是先天具有的，也不是後天自發形成的，而是在社會、家庭，特別是在學校教育中形成和發展起來的。美術鑒賞課就是學校的教育課程之一。
人的道德理想、道德認識、道德情感、道德行為建立在審美的基礎之上，並以美作為追求的價值取向。在思想道德素質養成過程中，美術鑒賞課把中外美術精品直接呈現給廣大學生，使他們產生「直觀」的美感。「審美帶有令人解放的性質」，能使人的主體性得到美的提升，前蘇聯教育家霍姆林斯基說過：「美是人的道德財富的源泉。」高校的美術鑒賞課是普通美術教育工作在高校的一種延續，是一種富有強烈藝術感染力的審美教育。這種審美教育是通過鑒賞美術作品的意境、線條、色彩、構圖、肌理、空間及作者創作背景等完成的，它可以把高度發展的社會理性轉化為直觀的、生動的感性形式，其中蘊含的政治思想內容、倫理道德內涵，均使受教育者在提高審美感受、表現能力的同時，心靈得到凈化，道德情操得到升華，從而達到崇高的精神境界。生動的藝術形象和直觀的構思，給青年學生以啟迪、以感動，從美術作品中感受到美，精神上獲得愉悅和滿足，同時也在潛移默化中獲取了很多人文知識，接受了思想道德教育，人的身心得以全面和諧的發展。
其次就是就是表現在以美啟真
素質教育應以培養學生的創新精神為重點。美術鑒賞課可以使學生以愉快的心理體驗展開想像，現代心理學揭示，興趣和愉快的心情可以為復雜繁重的智力活動提供最佳的情緒背景。好的美術作品，可以充分發揮學生豐富的想像力。愛因斯坦曾說過,想像力比知識更重要，因為知識是有限的，而想像力概括著世界上的一切，推動著進步，並且是知識進化的源泉。美術鑒賞可以使學生感知、注意、記憶聯想、幻想、創造等思維能力得到發展。通過作品的鑒賞，可以提高學生的視覺感知能力，對各種色彩的象徵義和引申義的理解會更加敏銳、協調，可以這樣認為，美術鑒賞具有啟迪智慧的作用。
美術鑒賞的過程是一種視覺思維的過程，也是鑒賞者審美創造的過程。它是鑒賞者通過對藝術家創造的藝術品的感受、想像、體驗、理解和鑒別等一系列視覺思維活動，通過對藝術作品的欣賞，從而達到開闊視野、擴大認知領域，提高藝術素養和審美能力的目的。在美術鑒賞過程中，由於鑒賞者面對的是富於啟發性的典型視覺形象，所以會自然地喚起種種有關的聯想和想像。在聯想和想像的作用下，通過特定藝術形象可以感知和認識更為豐富的內容。中國古代詩論中就有「象外之象，景外之景」之說，宋代詩人梅堯臣要求「作者得於心，覽者會以意」。中國畫的留白處理，正是留給鑒賞者想像的空間，這是鑒賞者對藝術作品再創造的過程。藝術作品不管表現得多麼完整、具體，都留有廣大的想像空間，這些空間需要鑒賞者通過聯想和想像去豐富和發展，使鑒賞者形象思維能力得到進一步的培養與提高。美術鑒賞與美術創作一樣，都是一個創造的過程，因此，鑒賞過程也是培養鑒賞者創造力的過程。
創造力的培養是素質教育的核心，美術鑒賞正適合這種創造心理的培養，尤其在美術鑒賞過程中對作品的色彩、比例、空間、節奏等視覺思維的訓練，能在潛移默化中幫助學生開拓視野，培養學生具有豐富的空間想像力，開啟思維的深度和廣度。
再次表現為以美怡情
美術鑒賞對學生身體素質的提高大有裨益。如古希臘雕塑《擲鐵餅者》就是力量與健美的和諧統一，這表明體質體能的發展過程就是按照美的原則、美的規律塑造美、追求美。在對《擲鐵餅者》深入分析、鑒賞並進一步了解作品來龍去脈的同時，還能以健康的美感引發學生強健體魄的自覺性。如鑒賞古希臘雕塑《米洛斯的維納斯》時，引導學生圍繞人體美的標准進行討論，通過美術鑒賞課幫助學生認識美的時代性、階級性和多層次性，並轉而欣賞「維納斯」的古典、和諧、健康、自然之美。
美術鑒賞對學生健全心理素質也是至關重要的。美術鑒賞課對學生進行心理素質教育的進程中，首先要培養學生的愛美心理，使他們對美有一個正確的認識和概念，學會欣賞美、鑒賞美、表現美。優秀的美術作品都是作者對自然、人生和社會的理解，是創作者心靈的表露，所以在美術鑒賞中，廣大學生可以通過藝術作品這一媒介與作者進行心靈對話，使自己的心靈得到熏陶、感染、凈化與提升，從而使學生的認知心理、情性心理、社會心理得到和諧發展。此外，美術鑒賞還可以通過各種形式和方法培養學生的寬容心理和創造心理等。
總之，美術鑒賞中的各個方面、各個環節無一不關聯著素質教育，關聯著大學生自由和諧的發展。所以我們就要更加強調大學生學習美術鑒賞課程的必要性。主要是逐步樹立馬克思主義的審美觀。審美觀是關於美、審美、美的創造等問題的基本觀點，是世界觀和人生觀的重要組成部分。而大學生學習美術鑒賞的意義就是要以美引善，提高學生的思想品德；以美啟真，增強學生的智力；以美怡情，增進學生的身心健康。從而，促進大學生全面和諧的發展。
參考文獻：
[1] 《藝術漫談》序，見《豐子愷論藝術》，復旦大學出版社1985年版，第26頁
[2]張道一主編《美術鑒賞》，高等教育出版社，1998年

❾ 美術鑒賞論文3000字

只要關於美術鑒賞的就行，不要網上太常見的，能自己寫了或者修改過的就最好了，謝謝！！

❿ 美術鑒賞：畫家與畫的故事或畫的故事 1000字左右的論文

梵高的名畫《向日葵》(時間:1888年長寬:91X72厘米)

名畫向日葵

《向日葵》1889年1月

東京安田水災東鄉青兒美術館

梵高最著名的代表作之一，這幅畫中，他用簡練的的筆法表現出植物形貌，充滿了律動感及生命力。整幅畫仍維持一貫的黃色調，只是較為輕亮。這幅畫被認為是梵高在黃色小屋裡畫的最後一幅大型《向日葵》。

梵·高最有名的作品無疑是這幅《向日葵》。他曾多次描繪以向日葵為主題的靜物，他愛用向日葵來布置他在阿爾的房間。他曾說過：「我想畫上半打的《向日葵》來裝飾我的畫室，讓純凈的或調和的鉻黃，在各種不同的背景上，在各種程度的藍色底子上，從最淡的維羅內塞的藍色到最高級的藍色，閃閃發光；我要給這些畫配上最精緻的塗成橙黃色的畫框，就像哥特式教堂里的彩繪玻璃一樣。」梵·高確實做到了讓阿爾八月陽光的色彩在畫面上大放光芒，這些色彩熾熱的陽光，發自內心虔誠的敬神情感。

梵·高作畫時,懷著極狂熱的沖動,追逐著猛烈的即興而作,這幅流芳百世的《向日葵》就是在陽光明媚燦爛的法國南部所作的。畫家像閃爍著熊熊的火焰,是那樣艷麗,華美,同時又是和諧,優雅甚至細膩,那富有運動感的和彷彿旋轉不停的筆觸是那樣粗厚有力,色彩的對比也是單純強烈的。然而,在這種粗厚和單純中卻又充滿了智慧和靈氣。觀者在觀看此畫時,無不為那激動人心的畫面效果而感應,心靈為之震顫,激情也噴薄而出,無不躍躍欲試,共同融入到梵·高豐富的主觀感情中去。總之,梵·高筆下的向日葵不僅僅是植物,而是帶有原始沖動和熱情的生命體。

1987年3月30日，梵·高的一幅向日葵以3950萬美元賣出。買家是日本的安田火災與海南保險公司總裁後藤安夫。